我们知道呼吸是生命的基础，没有呼吸人类将无法生存。

在音乐作品中，会有或长或短的乐句，在乐句中间会有停顿与相连的问题。

这里的停顿与相连的问题就是我们所说的呼吸。

音乐是人类语言的高级状态，它同语言一样有着句子的长短之分，有着抑扬顿挫的语气变化，有表达一个中心思想的结构性和完整性。

它跟人类的呼吸一样，没有呼吸就没有乐句，也就没有了语调和结构，没有了生命。

有些学生在大提琴演奏中出现不顾音乐的分句，演奏中缺少音乐的呼吸的问题。

一些教师在教学过程中也常常忽略这一非常重要的问题，致使学生对乐句的认识模糊，处理作品缺乏音乐的律动性和歌唱性，从而给人一种上气不接下气的感觉，缺乏层次感，也缺少了作品应该表达的思想感情。

　　一、正确划分乐句是音乐呼吸的基础划分乐句是为了理解乐句，理解乐句是为了理解乐曲。

一篇文章，只有懂得了每句话的意思，才能理解全篇的意思。

同样，一首乐曲，演奏者只有懂得了每个乐句的含义，才能领悟全曲的含义，分清了乐句，就能体会到各句之间的关系。

下面我们就简单地分析一下怎样划分乐句。

　　第一，也是最重要的，就是对作品要反复认真地体味、感受，从心理上接纳每一个音和每一个句子，了解每一个音和每一个句子所要表达的意思。

培养这种良好的音乐感受力是正确划分乐句最可靠的途径。

这一点在歌曲中是比较容易理解的。

特别是那种结构方整性的歌曲，比如四句歌词对应着的四个乐句，句与句之间都有明显的呼吸。

而器乐曲中乐句也有的类似歌曲，分句比较清楚，容易理解，但有的就不那么一目了然了，这就是“器乐化”的乐句。

但无论如何，所有旋律实际存在着乐句的构成。

我们若细心研究分析，从作品创作的时代背景到作品创作的风格特征，从作曲家的创作特征到作者的创作原因，再加上反复的聆听感悟，做到了这些再去理解乐曲便不再是难事了，这是正确划分乐句的第一步。

　　第二，与文章的句子不同，一个乐句有多种的划分方案是完全可能的，而且这几种方案都有其道理，可以说是成立的。

但客观地说，它们之中只会有一种是最能令听众满意的方案。

这个时候就要演奏者细心比较这几种划分法，用心体会它们的细微差异，才能选择出在听觉和感觉上最满意的一种。

　　第三，要特别注意远距离的音以及顿音、跳音、被休止符隔开的音的划分。

这些音都不相连，但不见得不是一个乐句，对此的感受要注意它们之间的运动趋势及在表情达意上的连贯性。

而有些乐句的划分方法却不总是在明显的停顿处，有时也会划分在连续的八分音符和十六分音符中间。

所以说，重视作品中的每个音对于处理好作品是非常重要的，必须细心体会。

　　二、理解音乐作品，合理运用乐句之间的呼吸　　要理解乐句，首先要理解它们的气质、性格、风格，以及乐音运动的趋势、逻辑关系，把理解到的内容与音色的选择、连弓与分弓的奏法、力度及其对比变化指法等各种演奏记号与表情术语结合起来。

理解乐曲上的所有标记——这是最基本的一点。

我们知道任何一位作曲家对于其作品所做的处理都有其内在的道理，绝不允许演奏者轻视马虎。

只有尊重作曲家的创作意图，尊重各种演奏记号，才能对作品进行较好的演绎。

例如法国作曲家圣-桑创作的《天鹅》，作者基于对天鹅的艺术审美感受，将许多高贵的品性赋予它，使它拟人化地成为淳朴、优雅、高洁的象征。

旋律流畅如歌，柔美舒展，加上力度的变化，听起来扣人心弦。

但是希望发出什么样的音色？是深吸一口气从容的开头，还是急吸一口气灵巧的开始？这些都要根据演奏者对曲子的理解而定。

只有演奏者有了准确地理解，才能恰当表达乐曲所描绘的意境。

　　其次，应注意的是呼吸的时间问题。

我们知道，音乐本来就是一门时间的艺术，在时间中展开又在时间中结束。

笔者认为，演奏者对于呼吸时间的把握，应该考虑到音乐本身的节奏特征和律动特点。

演奏者要善于体会这种感觉，只有这样才能掌握好呼吸的时间。

在演奏一句长达几十个小节的大起大落的旋律时就必须以舒缓而绵长的气息为根本。

同样，在需演奏情绪高涨激昂，或者速度较快的一段乐句时，演奏者本人的呼吸也应该相应加快，到高潮音之前的呼吸可以较深一些。

但不管怎样，演奏者本人的呼吸与乐句的呼吸在根本上应该是一致的，而且与乐段乃至整首乐曲的呼吸也应该是和谐统一的。

此外，对于学生演奏中呼吸的掌握，应采用先让学生把乐曲演奏熟练完整的情况下，通过反复哼唱乐曲的旋律来深入体会乐曲的断句，然后将它运用到实际演奏中去，即将自身的呼吸与音乐的呼吸融为一体，进而才能做到“人琴合一”。

只有这样，才能达到表现音乐内涵的目的，才能将音乐作品演绎得淋漓尽致。