给初学者的一封信:吉他的终极秘密<—->吉他的确是一项十分迷人的乐器，个人认为它真正迷人之处在于仅仅六条弦的简单构造，却能发出从心灵深处最真实的共鸣。正因如此，它吸引了世界各地许许多多的吉他爱好者，不断地努力练习、积极研究。
一幌眼已接触吉他二十多个年头，两年前结束了国外七年拜师求艺的旅程。回到国内后，看到年轻一辈的吉他学子们，仍旧继续地在台湾燃烧这股热情，心里深受感动。同时感谢对台湾吉他音乐有着强烈使命感的林显东先生、游步斌先生，目前他们正积极地筹划出版台湾吉他演奏家传记一书。而显东兄特别热情约稿，希望在附录中登录篇对台湾吉他爱好者有所帮助的文章。本来写文章对文采不佳的自己是项苦差事，但盛情难却之下，也鼓起勇气，写些东西，希望能将自己一些学琴的心得分享给所有的吉他朋友们。
当位「智能型」的吉他手
在台湾一般学吉他的人，大部份是从高中，甚至上大学以后参加社团才开始，起步比较晚。但是学音乐并不是像跑百米的竞赛，而像是场马拉松。相信大家都知道龟兔赛跑的寓言，到最后得胜的是坚持到底的乌龟。所以每天保持适量的练习和进步，即使是一小步，有天也会登上音乐的顶峰，看到更宽广的天空和景色。
记得二十八岁那年到乌拉圭和亚贝尔．卡雷巴洛大师（Abel Carlevaro）开始了第一课。他叫我弹一些东西给他听，结果我挑了难度颇高的巴哈BWV998之赋格，弹完之后，大师对我说：「你知道自己的问题吗?」然后他用手指着自己的头说：「从现在开始，你要训练的是这里（头脑）！如果你能找到自己问题在哪里，自然会找到答案。」
我想这句话指出了所有学习吉他者的努力目标。在台湾有许多「苦练型」的学习者，用练习时数的长短和曲目的大小来衡量自己进步的情况，而克服曲子的方法，便是苦练，希望借着反复重复手指的动作，去解决演奏上的困难。殊不知强迫手指的肌肉去做出超出它能力以外的工作，不仅无法使自己的演奏出色流畅，最后可能将手和肌腱练伤了而不自知。所以真正要练习的不是手指，而是头脑。
工欲善其事，必先利其器
找琴，就如同找另一半一样，必须很认真、很有耐心地找，经验多了以后，便会愈来愈清楚适合自己音色观念和触弦方式的吉他是什么。挑选吉他是一门大学问，诸如材料、力木结构、漆、弦的配合问题…等等，都会影响到琴的音质和个性，而这些问题就留给制琴家们去伤脑筋吧！对一个演奏者而言，挑琴所要考虑的主要因素有清晰的音色，丰富持续的共鸣，均衡的声响和适中的张力。一把具有音乐性的好琴，对演奏者的各种不同触弦方式，都能灵敏的反应出来，且能不费力地”唱”出自己的音乐。
现代制琴的观念，似乎弥漫着一种偏颇的看法，便是开始追求大的音量及厚重的共鸣，这种为了增加音量而牺牲吉他音质的制作观念，个人并不苟同。我本身较偏爱松板的Torres及Hauser I等传统力木结构的音质，因为他们有着容易弹的特点而且具有清澈的音质和典雅的共鸣。
另外，买琴不要迷信名牌（这点我非常赞同，我曾在“购琴指南”一文中阐述过类似观点，因此吉他岛推荐的音乐会吉他都不是所谓的“顶级名琴”，而是具有国际水平的独立制作家制作的精品。版主注）。世界上有许多价格便宜，由尚未成名年轻制琴师制作的优秀作品，出色的音质完全不输给所谓的名琴。
因此个人认为挑琴比较理想的地点有：
一、 琴展（Exhibition）。例如在美国每年GFA国际吉他大赛，都有为期一周的吉他、CD、乐谱、附件的大展，来自世界各地许多优秀的制琴师（Luthier）和吉他中介商（Guitar Dealer）聚集在会场摆摊位，数十把的名琴，令人大开眼界。同时有些二手名琴在脱售中，可以杀价一番，也许可以用不错的价格找到顶尖的吉他。
二、 吉他中介商。找些规模较大，收藏较丰的琴商。新琴比订制琴贵，这也是合理的，就像成屋一定比预售屋贵的道理是一样的，毕竟琴商提供了更多、更安全的选琴机会。（我补充一点，接触吉他越多的代理机构经验必定更丰富，这也为购琴者提供了更多的无形附加值。版主注）
不要当「鹦鹉」
从初学者开始便要养成一种习惯，自己思考指法。练习乐曲的过程犹如做实验一般，乐句中速度、力度、色彩的正确比例、对比、渐层…等，都需要一一的去试验，直到找到最满意的表现方式。同时借着接触作曲家或阅读他的传记、书信，来帮助了解乐曲的内涵也是诠释音乐极重要的工作。所以基于每个演奏者都有自己的音色观念、思维模式及运动方式，如果我们并不了解他们的观念而直接使用的话，不仅让自己丧失了思考音乐的机会，更养成了依赖的惰性。参考别人的指法，应该要用较正确的观念来使用，看看它是否提供了解决音乐问题的方法，否则最好不要随便使用这些未经心智消化吸收的东西。
吉他的终极秘密—放松
放松是每个演奏者都企望具备的能力，如果能轻松自如的上台表现，便再也不必每次下台之后用抱歉的眼神，求取听众的同情了。那么到底「放松」是什么呢？是否只是只能意会，不可言传的感觉？或者只是少数人得天独厚，天生的才赋？还是每个人都可藉由学习获得的能力？
从字义中，我们很可能作这样的联想：大概放松就是松掉肌肉的力量，使整个人变得松软无力吧！但这并不是我们弹吉他所要的放松。或者有的认为藉由某种呼吸的方法，使肌肉的效能达到更高的层次，但这也不是练习放松的正确途径。那么到底弹吉他所指的放松是什么呢？
演奏乐器的「放松」是指正确的选择动作和每个动作都是在有意识之下完成的，所以该用多少力量去按弦、弹弦，便用多少，绝不会浪费一分力气。以左手来说，大部份的人弹吉他用的是虎口和手指的力量，拇指为了对抗指板上其它四指的力量，虎口必须持续不断的用力。如此光靠手指和虎口少数的肌肉要完成整场一个小时的演奏会曲目，结果注定是要痛苦地失败。因此左手正确地按弦时，虎口和左手拇指是完全不用力的（除了封闭按法需要用到一点虎口的力量之外），因为手指只是被动的角色，随时在休息状态中，左手真正按弦的主角是手腕和手臂；藉由调整手腕的弯曲程度及手臂外伸拉回的动作，把手指放在指板上的正确位置，因此各种手型（frame）的正确使用是获得左手放松技巧训练的开端。从基本的纵向手型（longitudinal presentation）、横向手型（transversal presentation），到进阶的各种综合手型（mixed presentation, 介于纵向和横向的手型）是征服指板的重要课题。
移把位的技巧亦是由手腕和手臂将手指带离原来的位置，在瞬间使手指到达新的位置。移把位的方法共有三种，依学习的次序为：替换（substitution）、移位（shift）、跳跃（jumping），也是需要每天集中注意力，去练习如何正确使用自己的手腕手臂。记得刚开始学习改变按弦的方式时，一直很不适应且不得要领，一次和Carlevero大师上课时，他看我努力了半天，表情十分苦恼，便跟我开开玩笑：「我是你的老师，而你是你的手腕、手臂的老师，想想办法教他们变聪明吧!」
目前常看到年轻的一辈，标榜着用140的速度在练音阶，这是个相当令人担心的事。音阶的真正练习价值不是速度，而是在熟悉指板上不同区间、不同弦，该如何正确地呈现手型及移把位之动作。唯有从慢速度开始练习，让每个动作，每个声音都在头脑专注下，正确地完成，才能逐渐让左手在指板上自由运动；而速度的获得，不必刻意的追求，有一天它自然会像熟透的苹果般落下，所以「正确」才是练习放松的目的，速度只是练习下的附产品而已。
Carlevaro大师曾说过这样的话：「左手只是个trabajador（工人），而右手是个artista（艺术家）！」根据个人的经验，以正确的方法和目标专注练习的话，大约只要半年到一年的时间，应该可以完成左手的放松技巧。而右手随着音乐性的成长，却要终其一生不断地去探索它的可能性。基本上右手的技巧只有两种：基本的勾弦法（free touch），和加入固定法（fijacíon）之后各种千变万化的触弦法。而学习右手的技巧，必须要有一付好耳朵，否则这些细微的变化，很难用文字去解释。所谓的fijacíon是根据音乐不同表情的需要，而加入不同的肌肉和关节，使之结合为一个整体的弹奏群组；例如，须要弹奏fff强音的和弦齐奏时，只靠手指的力量去勾弦，是无法让吉他达到力度的要求，此时如果将ami三指合并成一个群组，运用手臂和手腕的力量带动整个群组来弹，便可以很轻松地作出强音的要求。再者，当主弦律在低音部，如大提琴般歌唱，而上声部同时有和声伴奏的情况下；此时音乐上力度的层次应以低音为主，而上声部伴奏居于次要的地位。右手为了区分出不同的声部，可以转动手腕趋向自己，使伸直的大拇指得到最佳的触弦位置，而让其它手指的触弦深度变得较浅，如此改变手腕角度即可很轻松而且清楚地区分出不同声部，也是右手常使用的技巧之一。
音色
右手放松技巧的建立，在于如何正确的制造音色。据说在古代，一位好的弓箭手使用中等强度的弓，可以射得比普通射手的强弓还远。对吉他来说，初学者并不应该以止弦法（apoyando）开始建立右手的技巧，因为它是一种相当深的触弦法，触弦点是一条线，很难训练出稳固确实的触弦点，并且止弦法所压出的声音，不是吉他基础的音量。一把吉他最自然的声音应该像用弹片（pick）瞬间拨出的清澈音质，因此以勾弦法并选择指甲正面触弦的方式，是训练右手的起跑点。因为好的音色决不是用力制造出来的，而在于固定触弦点及瞬间过弦，如此便可以得到清楚而确实的音色。
右手的技巧
经常可以听到「训练出手指的独立性」这句话，事实上增进右手技巧的秘密不在所谓遥不可及的独立性，而是协调性。比如，以a，m，i，m在①②③②弦上弹的音型，无论速度快或者慢，必须练到四个音一个连续动作，并且要求每个音的力度都平均，音色一样为止。当右手熟悉更多的音型时，自己会感觉到，乐曲中困难的乐句，似乎在不知不学中，变得更容易掌握了，毕竟分工合作，要比单打独鬪来的轻松且有效率的多。
自信心
有这样的一个笑话：三个著名的指挥家正在讨论他们之中究竟哪一个是最伟大的。他们分别是：乔治．赛尔（George Szell）、雷纳．伯恩斯坦（Leonard Berstein）、赫伯．范．卡拉扬（Herbert von Karajan）。
「我相信，我一定是最伟大的。」赛尔说道，「因为我把一个本来不怎么有名的乐团，领导成为世界上最伟大的管弦乐团之一。」
「呃，我想最大的应该是我才对吧?」伯恩斯坦回答道。「因为我既是指挥家，又是作曲家。在我指挥音乐的时候，同时也能感受到作曲家的灵魂。而我指挥我自己的弥撒曲时，则是透过上帝亲自给我启示的。」
卡拉扬听到之后马上回话：「我哪有给你启示?」
与其将卡拉扬的话当作自大狂的妄想，倒不如看成一个具有伟大心灵的音乐大师对自己的音乐诠释，有着不可动摇的信心，我想每个上台的演奏者都应该对自己的音乐充满这样的自信，才能作出有说服力的演出。