吉他完全教程
(TotalGuitarMethod)

－第一课－

第一课的目标是来定义和解释如果你成功学习演奏古典吉他所需要涉及的一般领域和范围。这些领域包括精神上的态度和物理上的控制。这些精神上的态度要求你必须对新的观点开放自己，而让旧的习惯走开，解放你自己而音乐地扩展你自己。正确的物理控制要求在演奏的时能够移开你身体中所有的紧张，学会仅使用绝对要用来产生音乐的身体运动，以及让乐器成为你身体的延伸。

·精神态度

演奏古典吉他精神上的努力是和物理性的身体努力一样多的，也许精神方面的更多一些。让我们采取一些步骤来为这个挑战而准备好我们的心智。

为新的观点准备好空间

有一个古老的故事，是关于一个年轻人访问一位著名的禅宗大师，这个年轻人声称想学习一些新的关于禅学艺术的东西。从一开始，这位大师就很明显的了解到这位年轻人认为自己已经很好的超越了他这个年纪所能达到的水平。他来到大师这里仅仅是为了简单的能够向其他人说他已经向这位伟大的大师学习过。大师请这个年轻人和他一起喝茶，然后大师向他的杯子里开始倒茶。当茶水到达茶杯的顶部时，大师还是继续从茶壶里倒出更多的茶水，过了一会儿，茶水溢出了茶杯滴到了地板上。最后，年轻人不能再抑制他的焦急而大喊起来："停！茶杯不能再装更多了！""所以，其他的同样道理。"大师说："在它重新能被灌注前，必须要倒空你的茶杯。"

同样的概念对于古典吉他的演奏来说也是适用的。如果你坚持持有你在演奏古典吉他方面的旧的观点，那么请在这里停止吧，节约你的时间。直到你愿意把自己认为已经知道的东西抛弃掉，只有这样你才能真正开始学习古典吉他（陈志先生在教授王雅梦学习古典吉他时，让她停止演奏一段时间，以便忘掉一切的旧习惯，重新开始-FRANK注）。

忘记老的习惯和先前的概念

你演奏古典吉他的成功尺度是和你的能够去做需要做的能力相适应的，但是要求你去做到的仅仅是为了实现你的音乐目标而已。我的经验表明大多数不同的古典吉他学生在吉他的其他音乐形式上已经达到了一个相当意义的能力和水准。在我开始学习古典吉他之前，弹奏电吉他已经有十年时间了。此时，我已经有了一个让我花了两年才得以改正过来的坏习惯。你不仅仅会学到怎样正确的演奏，而且你也会学到为何这是正确的演奏方法。这些课程中基本的方法和途径已经被我们这个时代的演奏家证明是正确的。这些方法是被一些很受人尊重的机构教授给我的，包括西班牙的ANDRESSEGOVIA音乐学校，南加利福尼亚大学吉他系，德克萨斯州大学，达拉斯的SMU大学，卡洛莱纳州大学。当你使用这种教学法来学习古典吉他，在任何地方你都会得到最好的可行的信息。你用这些知识所做的一切都会属于你自己。

敞开大门，迎接任何可能性

古典音乐对于表演者把思想集中到他的手的作业上的能力提出了一个艰巨的任务。古典吉他的独奏则对我们的在对于同时发生的音乐事件的有意识的控制方面提出了挑战。你可以通过努力听和理解同一时间里单独的两个谈话来对这个任务的大小有一些体会。在上一句话里，关键的词语是"理解"。很多人学会了演奏非常难的作品，但是他们所完成的技艺仅仅是简单的学习用复杂的指法非常敏捷的移动手指罢了。这些演奏者不是伟大的音乐家。他们也许是伟大的吉他"超技家"，但这不是这些课程所要达到的目的。真正伟大的音乐家发展了他们通观音乐作品整体的能力，把作品作为一个整体，但是又能够很清楚的集中于每一乐句的细节上，来交代它对于作品整体音乐思想的作用。

这个古典吉他教学法的目的之一就是允许学生体验所学习的每部作品的整体的音乐效果。当你从简单的作品进步到复杂的作品时，你就会发现你的对于古典音乐的理解和欣赏也随之进步了。这些课程的目的一直是教授你来"制造"音乐。

这个目的是在能力的任何水平阶段都能达到的。一些人称这个概念为"音乐的真诚性"

·物理控制

放松

在演奏古典吉他时我们需要精通的一个最重要的能力是演奏时保持我们整个身体的放松。一次在SMU的大师班的一个学生问导师："你如何知道你是完全放松了呢？"导师回答说："如果你从椅子上掉下来，你就知道你是过分放松了。"这引起了听众的窃窃私笑。演奏古典吉他不是"艰难"的，作为一个事实，你使它越容易，你就进步的越快。象在开始的课程中大部分时间是使学生除掉紧张的旧习惯的情况太常见了。紧张是我们的敌人！不仅是它会阻止你进步的速度，而且它的存在对任何听众来说也是非常残忍的。如果你听一个古典吉他家的演奏发现你自己坐立不安，你能够打赌你在感受他所制造的紧张。我们在后面会讲到如何来认识紧张和如何用放松来控制它–能够说你在发现它对于我们演奏的影响后对于它是如何一个丑陋的魔鬼而感到非常惊讶。一旦你学会来识别紧张，你也会对于它是非常容易消除而感到惊讶。

最小的努力，最小的动作

我们都在一个电子音乐的时代长大，那里电吉他是一个国王，身体的扭曲，变形的脸部表情，和所有无关的物理动作被认为一个伟大演奏者所需要的。忘了它们！

古典吉他是一个听觉的艺术形式。除了用来直接与创造音乐有关的身体动作外，没有任何多余的动作。关于这条理念以后会有很多的参考。但是，当用这条概念来思考你自己经历的时候，任何有关的物理上的努力都应该和手的任务相一致。

你是乐器的延伸

"让乐器成为你身体部分的延伸"这句话是什么意思呢？。关于这个问题的答案有以下理解：1）你身体的运动。2）你的乐器对于你的运动的反应。3）你的运动和乐器反应同步所需要的时间，手指运用和手协调适应复杂移动的技术。这三个因素成为你"技巧"的重要部分。不要低估这些重要的概念-他们是演奏古典吉他所必须的物理要素。

·第一课的回顾

你现在应该理解了演奏古典吉他同时精通思想和物理性的重要性。这些基本的概念在随后的每课都会适用。随着你在"制造"音乐的努力的进步，这些概念会被扩大和多次的带来。不要期望你完全理解或欣赏这些概念的重要性。他们是一些观点和启示，会给你带来越来越多的意义，而当你个人在这种乐器的经验增长的时候。

第二课会从理论到实践有一个过度，会说到在我们真正进入演奏你所需要的乐器本身的知识和其他的一些栏目。祝你好运！我希望我们继续一起工作直到你达到你的音乐目标为止！
－第二课－

·古典吉他的定义
古典吉他是三个基本要素的组合：乐器本身，音乐，演奏的风格和类型。每一个要素如下所述：

乐器

古典吉他是空心体的，有着六根弦的木制乐器。高音区的三根弦是由尼龙制成的，低音区的三根弦中间是尼龙丝，外面缠绕某种金属。不要试图在钢丝弦或者除了真正的古典吉他外的其他任何类型吉他上演奏古典吉他。这并不仅仅是我个人的观点，而是因为演奏古典吉他的全部技巧是依靠使用古典吉他这件乐器来完成的。在前面的课程中，我谈到了让乐器成为你身体的延伸，以及在演奏古典吉他时，你的运动与乐器的反应这两者的协调是一个非常关键的因素。而错误类型的吉他不会对你的运动作出正确的运动。这部吉他完全教程除了对于真正的古典吉他有用外，对其他的吉他学习就没有什么作用了。古典吉他一般有标准尺寸的1/2，3/4和完整尺寸的式样。

有些对于其他类型吉他很熟悉的人也许会发现古典吉他比较大或者不是很圆滑的或者是不容易演奏。如果你发觉了这些问题，请参考这些课程的简介部分。我保证一旦你学习了古典吉他，无论你的演奏类型是什么，你会坚持拥有古典吉他的。我会指出一些古典吉他的关键特色和这些特色对于古典吉他演奏是如何的重要。

首先，古典吉他的琴颈比钢丝弦的电吉他或其他声学吉他（指民谣，匹克等吉他）都要宽。以致琴弦能较远的分布，允许手指能够容易的按弦和弹拨，而不会造成“乱弹”或者使用匹克来拨奏。

古典吉他被构建成允许乐器的顶部（面板）震动而能抑制琴颈，背侧板的震动。这类似于电子扬声器的作用原理。中间部分的运动来传播音乐，而外面的包装必须坚硬来支持中间部分的平滑运动。实心的吉他不会有共鸣也不会投射任何合理强度的声音。

而弦的类型对古典吉他本身和古典吉他的演奏都是有鉴定性的。在调到正确调性的情况下，钢丝弦比尼龙弦的张力要高的多。正确制作的吉他，包括钢丝弦和尼龙弦的，都被设计成在"可操作张力"的情况下有效的产生共鸣。一把为钢丝弦设计的吉他不会对尼龙弦产生正确的回应。而一把为尼龙弦设计的吉他也许会折成两段如果你用钢丝弦调到正确的调性。演奏古典吉他需要使用你的指甲和你的手指端的肉质部分的组合来弹奏，钢丝弦会损害你的手指甲使它不能控制声音。

古典吉他声音的品质很大程度上取决于吉他的面板的构造。有名的古典吉他制作家通常会仔细的选择木材，那些木材在他们的工场里存放了几年后才被制作成吉他的面板。很多成品吉他采用合板做面板，上面贴了一层薄薄的红松或白松。决不要接受这样的合板古典吉他，你会对于它的声音很失望的。

吉他定音的特性也是非常重要的因素。幸运的是，现代技术已经除去了吉他定音的问题，除了那些最廉价的吉他外。在琴颈上面的弦的高度也很重要，不能太低或太高。今天，大多数生产的吉他在工厂里就已经设置好了，这很少成为问题了。

在古典吉他领域里直到今天仍然存在问题的是弦的本身。尼龙有一个沿着它的弦长不均匀伸长的趋势。这个不均匀的伸展经常会导致弦的不均匀震动。使乐器显得似乎有定调方面的问题。当我在第五课里讨论调音的时候我将解释如何检查弦来确定它们没有"变坏"。

价格有时是一个好的衡量吉他质量的尺度。然而，值得注意的是这种方法并不是在所有情况下都灵验。除非你有一位专业的古典吉他演奏家来帮助你挑选乐器，否则比较明智的做法是等到自己知道如何挑选一件乐器为止，再去花大笔钱进行投资。作为最少的花费，你应该有一把初学者用的好吉他，并且有携带的包等，一个谱架，一本分阶段的音乐课本，一个脚凳，一个校音叉，一个节拍器，一个绞弦手柄。

你也应该化一些费用添置一套好的指甲修剪工具，包括粗的，中等的，细的。并且养成正确修剪指甲的习惯。这些项目在你向中级前进时都是必须的。

音乐
几乎每一种类型的音乐都曾被改编或者专门来为古典吉他服务。古典音乐很难定义，但是来自"音乐哈佛词典"的定义说：“……古典音乐这个词指的是已经确立了它的价值和名声，而区别于那些短暂存在的作品，它们是那些很快就从节目单上消失的。”我并不想尽力来注释或者评论这个定义，至于我们的目的，我们将用那些我们一起学习的“标准”古典吉他保留曲目来作为我们的音乐。

你可以用任何你选择的音乐作为你古典吉他的表演类型，一旦你发展了你的自己的演奏能力。

演奏的风格

演奏风格比起音乐的定义来说就有目标性多了。我对于古典吉他的演奏风格的定义是：使用按弦的四个手指和另一手的大拇指及最初的三个手指弹拨。凭借同时的意识和对与音乐中每个音单独的控制来演奏。用PICK弹就不是古典吉他的表演风格了。

·其他的必要设备：

谱架

谱架有很多的形状和尺寸，对初学者来说，我比较推荐那种可以折叠的谱架，以便于保存和携带。

节拍器

我认为节拍器是一个必要的装备，它可以强制演奏者正确地理解作曲家赋予作品的节奏。一些教师认为使用节拍器会使学生的演奏向机械化方向发展，但是这并不是节拍器的过错，反复的、不动脑子的机械式的练习才是使他们演奏得象机器的原因。你会发现节拍器是一个非常有用而得力的工具的。

音叉

音叉也是必须的，它可以帮助你为你的乐器确立正确的音高。它只是帮你确定一条弦的音高，其它的要靠弦与弦之间的相对关系来确定。一般来说，吉他（也普遍应用与其它古典音乐领域）的标准参考音是A（440Hz）。下次课，我将为大家介绍如何调弦。

脚凳或吉他撑架

古典吉他必须使用非常稳定的持琴姿势（我将在下一课解释这个问题）来演奏。一个脚凳或吉他撑架都可以帮助你的吉他和你的身体稳定在一个适当的相对关系上，这将使得持琴更为舒适，演奏更加容易。在这两样东西中，我更推荐使用脚凳，因为吉他撑架是靠一个橡胶吸盘固定在乐器上的，这将对一些吉他的表面抛光起到破坏作用。不过，也有一些人认为对于长时间的演奏来说，吉他撑架更为舒适。对于一些有腰痛历史的演奏者来说，的确是这样的。所以，如果你觉得吉他撑架的确比脚凳舒适，那么你就用它吧，不过你应该意识到它会对你的吉他有一些伤害作用。

调音手柄

调弦手柄会使你在换弦时更加容易，当你第一次给你的吉他换弦时，你就会感受到它的重要性了。根据每个人的演奏和身体的化学性质的不同，吉他弦需要每一到四个月更换一次。经过一段时间的使用，琴弦就会老化或是产生杂音。在这个过程中，每个人身体的化学性质是起很大作用的，你的皮肤上分泌的油脂会使琴弦逐渐失去光彩。

·可选设备有：

完全尺寸的镜子

使用全尺寸的镜子可以让你在演奏时看到自己的身体是如何移动的。大量的演奏者在弹琴时会移动身体，甚至表现出坐立不安地紧张，这些对于听众来说有时是相当重要的，因为这些身体动作有可能会影响到听众对于音乐得注意力。我在听一位非常著名的吉他演奏家(这里就不写出他的名字了)演奏时，即使我两眼始终不离开他，但是我唯一感觉到的依然只是他的音乐。另外，在练习中使用镜子还可以帮助我们观察手指在演奏中的运动，简单手指是否具有很好的独立性，是不是在演奏时手指"满天飞"。

录音机

可以说录音机是我在练习时最好的朋友。它绝对不会欺骗你，而且无论我弹多长时间，它都会认真聆听。如果不是因为我使用了录音机，我永远不会感觉到自己在演奏中是如何歪曲了自己原本的音乐意图。节奏的不稳和表情的表达在我自己演奏时自己听起来是如此的种充满诗意，但是在我听录音时才发现是如此地糟糕。因此我极力推荐大家在练习时要使用录音机，尤其是你准备为那些比较挑剔的听众演奏，那么这件工具实在是太必要了。

吉他支架

如果你每天有很多时间用来弹琴，并且希望自己一伸手就可以拿到吉他，那么吉他支架是个好东西。另外，如果你是一边弹琴同时一边修改自己的乐曲，那么有个支架也会带来很多方便，你不必频繁地将吉他从琴箱中拿出来放进去了。使用吉他支架的唯一缺点就是，古典吉他是一种对周围环境温度、湿度很敏感的乐器，因此如果你的吉他是放在一间温度和湿度变化较大的房间内，那么将吉他放在支架上暴露于环境中是不大好的。在这种情况下，我们还是建议你将乐器放到琴盒内保护起来。
－第三课你和你的吉他（上）－

这一课确切的描述你和你的吉他是如何一起工作来产生音乐的。它包含了基本演奏姿势和两手移动运用中的“什么”、“怎样”和“为什么”。第四课会讲述关于对手指甲的照顾和修剪。第五课将会讨论调音的问题以便我们能够真正开始演奏。

基本坐姿

在拿起吉他之前，我们需要来探索如何在正确的坐姿下放松。首先，来到一间安静的房间，然后坐在一张硬的平椅上，那张椅子必须是足够高的，能够把你的脚平放在地板上而能弯曲你的膝盖成90度。你的两腿应该保持和你肩膀同样的宽度。你的背应该挺直，你的肩膀应该放松并保持每一边的平衡。你的双臂应该很舒服的放在你的两边。闭上你的双眼，然后慢慢的深深的呼吸两到三次。把注意力集中在把所有你的紧张排出你的身体，并忘记一天所有的活动。这一刻是属于你的。继续在这个位置慢慢呼吸，直到你能感觉到所有的紧张已经从你的头脑，脖子，肩膀，手臂，背部和大腿中淡出了。通过用这种方式来开始你的练习，你会学会一旦你采取这种姿态你就会变的马上放松的。这种类型的深度放松对表演来说是绝对需要的。而且是最好现在就开始学习如何快速达到这种放松的情形。

持琴

很多关于古典吉他的教学书都用一个几乎是很书面性的术语来描述如何来持琴。"你必须象表演那样正确的持琴，否则你就永远不会像一个演奏家那样进步。"幸运的是，这不是事实。当你有一些额外的时间，去你那边的音乐书店看看，在那些很多的古典吉他方面的书籍翻翻看，注意看那些著名演奏家的姿势。你会注意到每个演奏家都有不同的演奏姿势—我将会描述的一个对于"名义上"姿势的修正-演奏家都将它不同的发展为适合他本身的姿势。你的身体会最终找到适合你自己的最好的位置。任何其他强迫的姿势都会给演奏造成不适。或者，甚至于对你的肌腱和韧带造成永久的损坏。我会解释如何来修正"名义上的书面描述"的演奏姿势和如何来认识你正在向你的最好的演奏姿势移动。

好，让我们来学习基本的演奏姿势。

你应该处于基本的放松的位置（见上）。简单的说，我假设每个人都是用右手弹的，如果你不是，那么请用另外的那只手或腿，那也是一样的。我会来描述如何持琴的几个步骤。第一步包含了你的腿的位置和乐器在你左腿上的旋转。第二步用一个脚凳将你的腿提起。使乐器的上部向你的身体移动，它的高度更加适合你手臂正确的运动。最后的一步是修正吉他的位置以便让它被你身体的正确的四点来支撑：左边大腿的上侧，右边大腿的内侧，你胸膛的中部，你右臂的内侧位置。左手是不用来支撑乐器的。吉他被定位在当演奏时左手所需要的最佳位置。

第一步：

拿起乐器，把它放在你的左腿上，以便吉他的底下部分，就是吉他上部和下部之间凹进去的部分正好平放在你的大腿上。大概在你膝盖和大腿根部的中间。你也会注意到吉他的底部也接触到了你的右腿。你可以使用两个单独的步骤来调整吉他的支持角度：1）使用你平放在地面的右腿，向左或向右移动。用你的大腿根部来仅仅改变吉他的支持角度。2）在吉他平放在大腿上时，旋转它的角度来升高或降低它的琴颈。

请一直保持将吉他平放在你的左腿上，并有右腿来接触。当你的右腿向左腿移动时，你可以升高吉他的琴颈。–仍然确信吉他和你身体的四点保持接触。不要移动你的左腿，它应该还是处于最初的放松位置。左脚尖应该笔直向前，平放在地面。通过调整以上所述的角度你为吉他可以找到一个好的开始角度直到乐器的中心线（一条假想的把吉他对分的从乐器头部到底部的线）被定位在你右腿前后部之间的中点处，接触你大腿的内侧。这会使乐器的颈部处于10点钟方向。（时针所指的10点钟方向）

第二步：

调整你脚凳使它大概有6英寸的高度，把它放在你左脚的下面。保持吉他的底侧部分平放在你左腿的上面，不要使乐器只是由一点点的边被支撑。它必须仍然是被平放在你左大腿上的。提高左腿会升高吉他，但是它也会引起乐器顶端的角度有一点向上指了而不是笔直向前。你会注意到当你提起你左腿的时候，你不得不向着你的左腿移动你的右腿来保持右腿内侧的这个接触点。那很好-你是做的对的。提升的运动，假设你已经正确地把吉他平放在你的左腿上，使吉他上侧部的后边位置更加靠近了你的胸膛。调整你的脚凳来升高或降低你的左腿以致于吉他向前移动轻轻的接触你的胸部。你也应该轻微的向吉他倾斜。不要夸大向前倾斜的运动，你不要想倚靠在吉他上。请注意如果你把琴颈的角度保持和第一步一样。那么吉他的中心线现在接触了你右腿内侧的一点，它是几乎位于右大腿的上部。而从第一步中它所接触的那点向上移动了。再一次的，这是好的，现在吉他的头部应该大约处与眼睛平行的地方。

第三步：

现在，你用三点来持琴：你的两个腿和你的胸部，最后的支撑点是你的右前臂的内表面部分。为了正确的放置你的右臂的位置，首先，以肘为中心弯一个90度，使你的手掌对着你的身体。你的手应该是这样举的，一个平面物体（一把尺）放在手臂上，它能沿着前臂接触到所有的点。为了做到这一点，你的右手腕不应该折的，也不应该左右旋转。应该有一条假想的笔直的线，从你的右手食指的大的关节处一直延着你的右前臂的左侧内边沿伸。当保持着你右臂和手的这个方位的时候，在肩膀处旋转整个右前臂（不要抬高肩膀）直到你右臂的内侧部分接触到吉他的。在你前臂的与吉他的接触点应该是在你肘和手腕之间的1/3处。在吉他上的接触点应该大约在和下弦枕直线对应的地方。另外右臂的一个自然的下垂和向内的压迫会牢牢地和其他三个点固定吉他。对着琴弦放低你的右手，在靠近音孔的地方，在离琴弦上方约1英寸处悬空你的放松的右手。现在，你是以演奏的姿势正确的持琴了。
－第三课你和你的吉他（下）－

放松

你要练习把琴拿起来和进入演奏姿势几次，感觉自然和轻松应该成为一个习惯。任何你决定要练习吉他的时候，请随着放松的程序来开始，然后拿起并把吉他摆在正确的演奏姿势。一直到你感到舒服和放松的时候才开始弹奏。再一次，你学会了你所练习的。如果你允许紧张的存在。你会学会伴随着紧张演奏并且随着时间的过去你会变的擅长于此。但是如果你学会放松的演奏，你的音乐会向你的听众表露你的内心世界，那么听你的演奏将是一个享受。

左手的基础

就象平常一样，我们会通过孤立和技巧相关联的活动来学习新的技巧。假设没有吉他在你手里的坐姿。你的左右手是应该放在你的两边而且是完全放松的。

在你的手和前臂沿反时针方向旋转的时候，通过在肘部的弯曲，举起你的左前臂和手，直到你能够直接观察你的左手掌。在你的大拇指和其他四个手指之间你能够在你左手食指大关节相反的方向看到手掌的皱纹。如果你的手是正确的摆放的，你的四个手指是放松的和弯曲成一个轻微的弓形。你的大拇指的外侧从你的手腕到你的拇指的顶部形成一个平滑的弓形。现在，你的左手处于正确的左手演奏位置。练习几次从你基本的坐姿到左手演奏的状态的运动，直到你能够很平稳的和自然的做到这个动作。

左手手指的运动

在你的左手处于正确左手运动的时候，相继通过在大关节转动来运动每个手指。这个运动类似于打字机键当它被压下去的时候（这是对那些见到过打字机的人来说的）。每个手指都应该能够独立运动。你能够很简单的运动你选择要移动的手指。这可能要花费一些练习来达到。开始的时候限于一些较小的运动就可。这个观点是为了得到对你手指全部肌肉的控制。

大部分的人习惯于瞬间移动他们的全部手指的，所以，对每个手指肌肉的良好的运动控制从未被发展过。为了学习这技能你将必须非常有耐心。一些人对他们的不能独立地控制每个手指头而变得灰心，以失去演奏时所必须的放松状态来结束。别让这发生。你将能够学会正确地移动你的手指－它需要时间，实践和耐心。不要不正确地练习！这不是你能强行做到的事情。记得，如果你练习错误你会很容易误入歧途。

这种技能对好的演奏必不可少，所以，请不要掩盖这一部分。当我不得不第三次"重新学习"演奏的时候，我花费了整整一星期坐在这个位置上移动我的手指。为某个人认为自己是"先进的"演奏者感到非常羞辱。古典吉他音乐经常地有几个在同时发声的声部。每个声部都应该必须独立地，并且有意识地被控制。如果你打算用吉他演奏古典音乐，每个手指头的受控制的独立的运动都必须被完成。

让我们来用吉他尝试它。

假设吉他在你膝盖上的正确的演奏位置，由4个支撑点来支持。现在从先前的段落执行运动，但是，这次继续让吉他的颈部在你的4只手指和你的拇指之间滑动。你的左手食指应该处于在第5和第9品位之间的和琴弦垂直的某个地方，理想地来说是处于第7品上面。如同先前的说明右手的一部分所描述的那样，你的左手应该这样把持，这样，一个平的物体（一把尺）沿着你前臂和手放在手臂上能够接触到手臂的所有的点。你的手腕应该再一次不被折弯。

通过使全部左臂在肩部旋转，你应该能够沿着琴颈把手上下滑动，当轻轻碰到全部6根琴弦的时候仍然能够保持食指垂直对着琴弦，。你的拇指应该不挤压琴颈，它应该跟着手的运动，并且，仍然是仅仅一直接摸琴颈的背部的中心。

在琴颈上定位你的左手

移动你的4只手指头以致于手指的端部排成行就好像它们休息在一个平面上一样。从肘部来提高或者降低整个左臂使手指端在每根琴弦的上方。不要抬起左肩，它应该是放松的和另外的肩膀持平的。这来自左臂的肘部的运动是从弦到弦移动你的手指的基本运动。不过明显地，可能你将最终想用不同的手指弹不同的弦，无论怎样，任何可能的时候，把手指带到一根弦的运动应该是从肘部的整个左臂的运动。

关于左手的总结

我们已经覆盖到了左手的在琴颈上的正确位置和左手和左臂所需的三种运动：1）在大关节（靠近手掌）的手指的转动来升高或者降低手指2）通过肩部的旋转来使左手沿着琴颈上下滑动。和3）通过在肘部移动左臂使左手指定位在所希望的琴弦的上方。现在我们开始好讨论右手了。

右手的基础

涉及到右手的技巧是相当的复杂。右手控制了你演奏时声音的产生。虽然左手的触弦能很大程度上影响声音。我们把这样的讨论保留在后面。在这一章里我会来描述右手和右臂所需的每一个不同的运动。

从左到右的右手的运动

如同你使用一个左臂的在肩部的旋转来沿着琴颈上下移动左手一样，你必须要使用右手做同样的运动来使你的右手定位在你想要得到的声音的那部分琴弦的上方。在这点上我不会进入到真实的声音的产生，那必须是留在后面的一节课。然而，你所接触的琴弦上的那点对于所产生的声音的品质是有深远的影响的。在这里的品质不是指"好"或者"坏"的衡量的尺度。我所指的品质是声音的品质-"音质"，或者是"音色"。音色来让你从圆号或者提琴中来区分出长笛，即使当所有的乐器演奏同样的音高。

为了使你的右手沿着琴弦移动，有必要沿着吉他上侧部分滑动你的前臂。如果你没有穿长袖衬衫的话，也许你会想在你的手臂和吉他之间放一些软的布。很多古典吉他演奏家使用一个普通的袜子，在脚跟处被剪断了-这不是一个高雅的解决方法。但是这却有效！小心不要提起或者放下你的右肩。因为那样会带来不希望的紧张给你的演奏。运动仅仅是右肩的简单旋转。沿着吉他滑动你的前臂，使整个手沿着弦桥（左）或者弦枕（右）来运动。

右手的由顶部到底部的运动

再一次的，如同左手的运动一样，通过在肘部转动右臂来使右手定位在六根弦的上方。基本的演奏起始姿势是通过肘部的手臂运动来把右手的大拇指和其他四个手指直接的放在所希望的琴弦上。演奏单独的需要跨越几根琴弦的动作需要你通过肘部的手臂运动来定位右手在之后的琴弦上。通过延伸或者弯曲手指来接触下一根琴弦是不正确的，那将会是很多次的，当你需要同时演奏两个或三个音符时。需要你延伸或者弯曲右手手指来定位在一个位置和基本的起始位置是不同的。关键的要去考虑的事情是你首先要从肘部来移动手臂来完成"总"的运动。然后使用手指的运动来接触正确的琴弦。

右手的（ima）（食指，中指，无名指）的运动

古典吉他是由右手的拇指，和其他三个手指来演奏的（食指，中指，无名指）。

第四个手指应该是一直跟随着第三个手指的运动的。每个手指在古典吉他作品中由以下符号来表示。

p=大拇指，i=食指，m=中指，a=无名指

每个手指都有三个关节，每个手指的运动在这些关节处被限制为弯曲或者是伸展。每个关节都在它们的可能的伸展或者弯曲的限制中的某一点。在指尖处的那个关节应该是保持固定的但不是紧张。在击弦时它可以有轻微的运动，因为弦对手指的压力，但是我们不要尽力来控制这个关节。手指中间的那个关节是手指的运动源泉。在准备拨弦时你需要伸展这个关节，而保持大关节在运动范围弦之中的中点位置。当你的指尖接触到琴弦时，手指的运动继续从中间关节一直运动到接近弯曲的最大限制处。在这点上，运动仍然继续，跟随着大关节（第三关节）的弯曲运动。随着你的技术的进步，在演奏中的手指运动的范围会变的越来越小，但是手指的基本运动是不变的。我们在后面会谈到真正的击弦运动的结构并在那时候谈及手指运动的描述。

不拿吉他，单独的练习每个手指的运动，然后仔细观察以至于你能够确信在练习正确的运动。记住，如果你练习错误。。。（作者打盹了）。。。。

右手拇指的运动

在吉他的教学中，关于拇指的正确运动有一些不同的意见。一些很有能力的演奏家坚持认为它的运动应该是一个循环的运动，而其他人激烈的反对并且说这个运动对于其他手指是单一的，绝大多数教师都赞同拇指主要的运动是应该从拇指靠近手腕的关节来的，我个人的见解是一个混合的运动，它有时候有一点轻微的旋转，但是绝大多数是相当直的运动。而你所做的决定要取决于你自己的身体和你如何来使用拇指最好的发音。当你尽力来使用拇指来演奏音乐的时候我们会深入的覆盖这个问题。

总结

在此，你应该能够非常舒服的坐着并且吉他是处在演奏的位置。你应该能够把双手移动到任何在乐器上演奏的位置。你也应该能够从正确的关节来正确的移动所有四个手指。祝贺你！我希望它是比用话语来解释更加容易做。

在下一课里我们会讨论你的右手指甲在你从乐器得到的声音中扮演了一个如何中重要的角色。我会解释如何修正和使用右手指甲以至于你能够得到任何你的乐器能够产生的声音。
－第四课准备演奏－

右手的指甲对于你将从乐器所得到的音色的影响扮演了一个重要的角色。我会来解释如何修整和使用右手手指甲，以便你能够让乐器发出任何它所能产生的声音。

在开始本节课之前，首先要保证你有一个好的指甲刀和一套砂纸或者有至少3种不同规格的磨砂面的砂纸板。最好（细）的磨砂应该是触摸上去非常光滑的。中砂应该是有足够的硬度以便你在磨你的手指甲时它应该产生一道好的白色粉末但是却不会一下子磨去太多的指甲。而重砂应该是足够的粗糙以便它能够缩短和定型手指甲。请注意，我没有指定任何绝对的级别。那应该是取决于你指甲的本身的硬度。对于比较柔软的指甲来说是很容易被磨穿的，但是对于厚的硬的指甲却不然。接下去的一章会进入更多一点的细节。

护理和修整你的指甲

通过左右手指甲的形状，你能够很清晰地告诉别人你是一名古典吉他演奏者，否则，你就是一个喜欢在一只手上留指甲，而在另一只手上把手指甲修整得很短的神秘人物。当我在得到自己第一份有关工程方面的工作时，面试我的经理真的是提出了要看我的手的要求。当他注意到我的右手指甲非常完美的修整了，而我的左手指甲却剪得很短。他笑了，花了45分钟来讨论古典吉他，然后录用我从事设计方面的工作。

你的手指甲对于在乐器上产生美妙的音色扮演了一个非常重要的角色。对于你的左手来说，指甲的修护是相当容易的。你只要用指甲刀很简单的修整它们，尽可能的短而不至于流血就好了。而右手的指甲则需要更多的关注。右手指甲有三个特性需要来注意：长度，形状，和边缘。你的理想的指甲的形状和长度只有你很多次的尝试后才能达到。边缘对于好的音色是绝对有决定性的—它必须是光滑的。

修整你的手指甲

当你的手指甲准备来演奏时，你的手指甲应该是很平滑的圆形和没有破裂的或者是粗糙点。如果把手指甲正对着你的眼睛，很近的来观察指甲的边缘，它们看起来应该像很好的水晶眼镜的边缘那样光滑。如果你用右手大拇指甲来滑过其他三个手指甲的边缘，你不应该觉察到任何的表面的粗糙或者裂口。像这样的指甲边缘是绝对必要的，以至于在你演奏的时候指甲滑过琴弦时不会产生不必要的噪音。

为了得到所需要的那种边缘，你首先要用重砂来定形和调整指甲的长度。我曾经看到过那些很了不起的古典吉他演奏家有的留着那些像“爪子“那样的指甲，而有些却没有指甲。我个人的经验是保留大概超出手指端1/8英寸的长度，当你把手指伸直，用眼睛去平视它们时。这样的一个长度对你来说应该是一个好的起始长度，但是你将会通过了解指甲长度对你想产生的音色的影响来决定调整它。

指甲的边缘应该是跟随你手指端的形状的。而且无论从哪一边它都不应该有中断。换句话来说，指甲的曲线应该是很平滑的延伸到你的指甲接触到表皮的那点。

一旦你用中砂来定形你的指甲和除去任何锯齿状的边缘或者是裂缝，这一步也给了你的指甲的最后的定形。当你对指甲的形状和长度满意了，你就用细砂来给指甲边缘抛光。

那些音乐会上的古典吉他演奏家演出时通常携带一套很好的磨砂纸，以便能够修整任何的指甲上的粗糙点，这些点可能是在演奏时接触那三根缠丝弦导致的。你最初可能会认为这些对指甲的很挑剔的护理是有些奇怪的，但是当你演奏时你会很快的学会来感觉和听到它所带来的变化。
－第五课吉他调音（上）－

在这一课里，我将会解释如何来给吉他调音。我将会来讨论三种方法，第一种方法是在大多数初级启蒙教材里所教到的普通方法，第二种方法是更加精确的但是涉及到对乐器的更多的了解。第三种方法是在第二种方法的基础上变化而来的，要用到泛音而不是普通的调性。泛音是更加容易来听觉的因为它们属于"纯净"的音质，然而，它们需要更多的在吉他上产生的技巧。

每一根吉他的琴弦被调到一个特殊的调性上或者说声音的某个频率上。抛开一些不变的常量比如说像弦径，乐器的温度等等，每根弦的定调取决于弦的张力，这是由乐器上的支持震动和弦的震动部分长度的两点来产生的。弦扭控制着弦的张力-通过上紧弦的张力，那么音调升高产生了一个更"高"的音符。通过放松弦的张力，那么音调下降产生了一个更"低"的音符。弦的长度通过使用左手的压弦来调整直到它和一个音品有了紧密地接触。

不管你使用什么方法来给乐器调音，对你来说理解"拍子"是什么意思是重要的。我并不是在讲由打击乐器产生的节拍。我指的是两个有微小区别的音符在被同时演奏时发生的现象。实际上这个现象的物理性质是非常复杂的，但是使听觉效果具有可坚定性以便来知道什么时候这两个音符走调了。一个"拍子"在音量方面是很明显的波动的，它有一个颤动的音.如果两个相同的音符一起被演奏出来，很难说那不是只有一个音符在被演奏。如果两个音符中的一个被轻微的升高了或者是降低了，那么"拍子"就会显现了。两个音符的差别越大，拍子就越快。相反的，如果一个走调的音被调到接近参考音，那么"拍子"就会慢下来最后消失了，那么这个音符就是被调好了。我们调弦的过程就是要把每条弦的音先调到参考音之下，使"拍子"出现，然后调高该弦使"拍子"渐慢并最终消失的过程。

吉他空弦的音高

吉他的弦序为1到6，1弦是最细的而6弦是最粗的。标准的调音，每根弦都被调到一个特定的调。下边所列的定义了每个弦和它与钢琴相对的正确的调：

弦号音高在钢琴键盘上的位置
①e中音“C”右第一个“E”键
②B中音“C”左第一个“B”键
③G中音“C”左第一个“G”键
④D中音“C”左第一个“D”键
⑤A1中音“C”左第二个“A”键
⑥E1中音“C”左第二个“E”键

在吉他上产生一个音

在你能够开始调整乐器之前，你必须能够在吉他的每根弦上产生正确的音符。假设你现在就抱着自己心爱的吉他，让我们以演奏姿势开始讲解。你的指甲必须是被正确修整而且你已经知道如何来正确的移动双手的手指。在这里你不使用到左手所以保持它的放松不要让你的手指碰到琴弦。如果你愿意，你可以用左手轻轻的在琴颈和琴体交汇处持起吉他，你的右手放在琴弦的上方靠近音孔的地方，你的手指离开琴弦大概有1/8到1/4英寸（注：1英寸合25.4毫米）的距离。我们会使用食指i来弹出一个音（在这里我用符号来称呼所有的手指）。

扩展

通过保持右手的静止，伸直i指向琴弦运动来开始击弦的运动。最初的运动是非常微妙的，不要非常夸张地将手指完全笔直的或者非常僵硬，大多数的运动是通过手指的中间点产生的。

准备

放低i指，以至于琴弦处于指甲和I指端肉质部分之间。这个位置被称为"预备姿势"。不管别人如何来告诉你，击弦运动的这部分是一直存在的。不管你学习演奏有多好或者是你弹得有多快，唯一的区别是你花在"预备姿势"上的时间多少。否则的就会招来混乱，或者是对每次击弦产生的音失去控制或受到限制。

开始调音

为了正确的给吉他调音，应该由一个普遍接受的标准音来开始。在我们的术语中，这个标准音叫做"a440"。轻轻击打标准音叉的表面时会产生这个音。但是要小心，并不是所有的音叉都是a440的，因此在你选购的时候要注意。在继续调音前，确定你的音叉是正确的音调的。a440就是1弦（空弦音高为E）在第五把位弹奏时或者5弦（空弦音高为A1）在第五品位的自然泛音。这个泛音就是我在给我的吉他调音时使用的标准音。一边弹出5弦第5把位的泛音，一边听音叉的标准音，同时通过调整调弦旋钮来调整音高。当你开始注意到一个"拍子"的时候，通过调整调音旋钮，试着让"拍子"的影响加快或者减慢，一旦你确信听到了"拍子"，调整旋钮直到"拍子"消失。那么你已经调好了一弦，并可以继续为其它五根琴弦调音了。

重要的声明

吉他演奏时的实际音高比五线谱上的标注音高要低一个八度。在钢琴上中音"C"八度中的"a"音频率就是440Hz，这个音符在高音谱表上以下加二线的位置表示。在吉他谱中同样的音符产生了"A"220Hz的音高，比钢琴低了一个八度。吉他的5弦（A1音）的实际频率应该是110Hz，440Hz的a音低两个八度。而通过调整吉他5弦第5把位自然泛音的意义在于这样所产生的真实音调正好是音叉的"a440".
－第六课吉他调音（下）－

以下的方法都是假设你已经调好了5弦了。不要再调整5弦！因为现在它是你的参照音，如果它被调整了那么你将重新调整其他全部的琴弦。

方法1：相继调整相邻的琴弦

第一种调音方法是简单而且容易学习的。然而，这不是调整乐器的最好方法。每一次从一根琴弦进到下一根琴弦，任何调音中轻微的错误都会传播到下一根琴弦。当你调到高音1弦(空弦音高为E)时，你甚至与无法接近正确的音高了。一旦你到在吉他上弹奏和声，那么这种方法将会被证明是不够充分的。但是对于那些很初级的学习者来说，这是适合他们的。

·按住第六弦的第五品位，演奏第六弦和第五弦空弦，调整"E"弦直到在两个音之间没有"BEATS"的存在。
·按住第五弦的第五品位，演奏第五弦和第四弦空弦，调整"D"弦直到在两个音之间没有"BEATS"的存在。
·按住第四弦的第五品位，演奏第四弦和第三弦空弦，调整"G"弦直到在两个音之间没有"BEATS"的存在。
·按住第三弦的第四品位，演奏第三弦和第二弦空弦，调整"B"弦直到在两个音之间没有"BEATS"的存在。
·按住第二弦的第五品位，演奏第二弦和第一弦空弦，调整"E"弦直到在两个音之间没有"BEATS"的存在。

方法2：参考一个固定的音高来调音

这个方法比起前一个方法来说是更加精确的因为它避免了通过一直参考一个单独的琴弦来调音而累积了错误。它需要你学习如何在"A"弦的第七品位上演奏泛音（你已经在"A"弦的第五品位上演奏了你的第一个泛音来调整"A"弦）。通过轻轻触摸A弦第七品位弹出的泛音是一个"E"，这个在"A"弦上产生的"E"调的泛音将会是你的参考音，通过在每根琴弦上找到"E"音，其它琴弦将会被调到这个参照调。（是的，在每根琴弦上都有"E"）但是这种调音方法唯一的问题是有时候在每一根琴弦上很困难得到足够共鸣的"E"来使用它们调整乐器，特别是那些廉价的乐器，可能不是每个音符都有足够的共鸣。

·在"A"弦上的第七品位弹出泛音，让它共鸣。按住低音"E"弦的12品位弹奏，调整"E"弦，直到两个音符之间没有"BEATS"的存在。
·在"A"弦上的第七品位弹出泛音，让它共鸣。按住"D"弦的2品位弹奏，调整"D"弦，直到两个音符之间没有"BEATS"的存在。
·在"A"弦上的第七品位弹出泛音，让它共鸣。按住"G"弦的第九品位弹奏，调整"G"弦，直到两个音符之间没有"BEATS"的存在。
·在"A"弦上的第七品位弹出泛音，让它共鸣。按住"B"弦的第五品位弹奏，调整"B"弦，直到两个音符之间没有"BEATS"的存在。
·在"A"弦上的第七品位弹出泛音，让它共鸣。演奏高音"E"弦，调整"E"弦，直到两个音符之间没有"BEATS"的存在。

方法3：参考一个固定的基准调来调整泛音

最后的一个方法是给吉他调音的最好方法。它和方法二很接近，但是全部使用泛音。使用泛音的优点是它们有更少的"混浊"的音来混乱我们的听力，这时如果两根弦未被调整好，它们是很容易被听到"BEAT"的。它们需要一些小的技巧来产生，但是这些是值得花精力去学习的。

演奏人工泛音

如果你对《音乐和声学》有一定了解，你会知道琴弦是如何在很多不同的频率或者调性同时震动的。如果你直接在琴弦的某一点让琴弦产生振动（拨，击打，移动等等），而这一点上又是泛音点，那么你会很清楚地听到泛音，其调性明显高于琴弦的基准调。当你在琴颈的任何把位按住了琴弦，你就是有效的缩短了琴弦的长度，那么相对于新的琴弦的长度来说，一个完整系列的泛音就存在了。这也产生了很多有趣的可能，不仅仅是为了调音，而且也是为了在乐器上产生声音和音乐。

为了产生泛音，你必须用右手拨弦同时用手指轻轻的接触琴弦。这样就可以让左手自由地按下任何期望的品位。选择一根琴弦来练习…就拿4弦(D)来说吧，完全伸展你右手的食指（如同你指着某样东西），把其余的三个手指卷到你的手掌里。把你的右手拇指排列为和你的食指在同一个平面里。你应该能够直接看到拇指甲的顶端和食指的外侧边缘部分。把它们都放在D弦的附近，用食指的顶端肉质部分轻轻的接触第十二品位，同时用拇指侧向的拨动D弦。一旦拇指的拨弦完成了，马上移开食指以便这个音符能够继续发音。你应该可以听到一个钟声似的声音，那就是比4弦空弦音高(D)高一个8度的泛音。然后在其他每根琴弦上重复同样的动作直到你得到了如何产生每一个泛音的感觉。同样的技巧可以被用来在每根琴弦的第五和第七品位上产生泛音。如果你试着去做，你会发现还有其他的泛音在等待你去发现。其中的一些甚至于并不是处于吉他品位所对应的位置。不管怎样，我们先离开这个话题。(注：有关自然泛音和人工泛音的演奏方法，在许多吉他教程中都有详述，可以仔细阅读)

现在按住4弦(D)的第二品位，同时通过在第十四品位触摸和弹奏来产生泛音。这样发出的音符是"E"音，恰恰是这个音符你将需要它来继续我们这一课的调音。你可以试着使用同样的技巧在任何弦上的任何品位，从第5，7，12以上得到泛音。再一次的，在琴弦上的很多其他点上有不同的泛音。

·在5弦(A)的第七品位上弹出泛音"E"，让它持续发音。在1弦(E)弦的第十二品位弹出泛音，调节1弦，直到在两个音符之间没有"BEATS"的存在。
·在5弦(A)的第七品位上弹出泛音"E"，让它持续发音。在4弦(D)的第十四品位弹出人工泛音，调节4弦，直到在两个音符之间没有"BEATS"的存在。
·在"A"弦的第七品位上弹出泛音"E",让它持续发音。在"G"弦的第九品位弹出实音，调节"G"弦，直到在两个音符之间没有"BEATS"的存在.稍后你就会调节这根G弦来发出一个"A"泛音，但是现在先不用管它。
·在"A"弦的第七品位上弹出泛音"E",让它持续发音。按住"B"弦的第五品位弹出实音，调节"B"弦，直到在两个音符之间没有"BEATS"的存在。这是唯一没有使用泛音来调音的弦。
·在"A"弦的第七品位上弹出泛音"E",让它持续发音。在"E"弦的第十二品位弹出泛音，调节"E"弦，直到在两个音符之间没有"BEATS"的存在。
·重新检查G弦，在A弦的第十二品位弹出泛音，在G弦的第十四品位处弹出人工泛音，调整G弦，直到两者没有"BEATS"的存在。

检查琴弦

最后的步骤，就是当你把一根琴弦调节到一个调性的时候，检查一下琴弦是否"已坏"。一根坏了的琴弦在琴颈上某些部分是被调好的，可是在其他部分就是走音了。这是因为一根琴弦在被调节时的不匀称伸展导致的。检查一根琴弦好坏的最快方法就是比较第十二品位的泛音和实音是否一致。因为第十二品位是正好处于弦长一半的位置，这里的泛音和实音的音高是一致的。在实际中，其实这两个音高有点轻微的区别，所以我是继续使用一根这样的琴弦的。如果你对于调性的正确性有着很苛刻的要求，那么在你最终找到那根完美的琴弦之前，你可能要检查很多的琴弦。在你决定是否要更换琴弦之前另外要考虑的事情是你自己的演奏水平。如果你只是一个初学者，大多数的时候只是在吉他的第一到第五品位进行演奏，很可能你不会受坏弦的影响太大。另一方面，如果你在演奏中要使用到琴颈的全部把位，你会觉得一根坏的琴弦是无法接受的。

结论

几乎所有的振动物体都会产生与基本频率成整数倍频率的泛音。一个非常明显的事实就是这种泛音结构的不同是我们能够区别各种不同乐器声音的基础。这是一个非常重要的事实，而且对于我们后续的课程来说也是极其重要的。本节我们介绍了如何给吉他调弦，相信大家也的确学习到了相当多的知识，接下来，我们要进入到第7课的学习。
－第七课音乐的要素（上）－

音乐的四个要素

在这一课里，我将解释音乐的四个要素：音高，节奏，力度和音色。在今后的课程里我会来解释和说明这些基本的要素是如何互相作用以至于使音乐表达无穷性的存在成为可能。音乐总是包含它的这四个基本要素，在你演奏的全部时间来感知和控制这四个要素是很重要的。音乐符号这些年来已经很好的发展，包括了有很丰富符号的系统。这些不同的符号允许一个作曲家对音乐的要素进行各种描述（不是完整描述）。这一课不应该被解释为是成为一部完整音乐符号词典的尝试。我的在这一课里提到的关于这个议题的其他材料信息的来源是来自于哈佛音乐词典第二版，WilliApel编写，由TheBelknapPressofHarvardUniversityPress,Cambridge,Massachusetts.出版。

这一课不会来处理更进一步的音乐层面，比如音程，连续演奏的两个音在音高上的距离；和弦，按照一定的音程关系同时演奏的两个或者两个以上的音；旋律和和声，用各种音高的音造成的心理舒张驱使音乐服从于作曲者的意图；或者声乐，在一首音乐作品中的独立的旋律线，它的四个基本音乐要素需要分别引起注意。这些议题，在等待你对四个基本音乐要素有了实际应用知识以后再来涉及。

音高

在上一课里，我们讨论了音长和它在一些材料上振动频率的物理特性。而在这一课里，会介绍在那些音乐谱中的标记号的调高的要素。这些要素包括：五线谱、谱号、调性符号、音符（包括那些外形"尖"的、平的、和一般普通的）、滑奏、延音还有泛音。

我们将要讨论的音乐是由自然的不连续的调性组成的。这和那些为电子合成器而作的音乐来说是形成对比的，那些音乐对我们的十二平均律来说可以产生任意的调高。

这个图片包含了五线谱的一个片断，一个G谱号（高音谱号），一个升调记号表明这是G调，一个写在下方的八度符号"8"，以及标明为普通拍子（即4/4拍，CGV注）的符号。

右图中也包含了五线谱的一个片断，一个G谱号（高音谱号），一个降调符号表明这是F调，一个可以将原有音符时值延长二分之一的附点符号。

五线谱

一个表明音长的符号已经被发展为使用平行的水平线和空间来标注代表各个音长的符号。一个具有五条平行线和四组空间的组被称为是一个五线谱。

谱号

谱号就是在每个五线谱最左边的用来定义五线谱上绝对音高的符号。谱号有三种：G谱号（高音谱号），F谱号（低音谱号），C谱号（中音谱号）。绝大多数现代的音乐出版物都使用G谱和F谱，而对于比较老的C谱，往往在G谱号下方加一个八度符号来表明。

G谱号是由一个8字形的符号（一般认为是字母g的花式写法，CGV注）组成的，下边的椭圆形要比上部的椭圆形大3至4倍。下边的椭圆形被描绘成一个开放的圈，这个圈占据了五线谱下面的两条线。大圆中心所在的第二条线被定义为g音。G谱也是古典吉他音乐所采用的谱，但因为吉他上实际调高比标准G谱上的要低一个八度，所以正确的古典吉他音乐记谱法是在G谱号下边放一个8字符号。这样一个小小的8字告诉了读者真正听到的调高是比谱上的低一个八度的。不幸的是，只有很少的吉他谱上有这样一个8字符号，而读谱者是需要知道实际调高是比谱上所写的低一个八度的。

我曾经有一把很好的吉他，可是在背部有一处小的开裂。因为对于这部分的修理并不复杂，我就选择把这把琴带到一个小提琴修理者那里，因为在我住的镇上没有吉他修理者。当我回去取琴时，却在吉他的面板上有了一个很大的开裂。我被告知这把琴是因为在"我只是想调音"时开裂的。一年后我才明白小提琴修理者不知道吉他的实际音高是比谱上的低一个八度的……我有好吉他的时代成为历史了……

F谱，通常被称为"低音谱"，谱号由一个背对的后面有两点冒号的符号组成。F谱号的两个冒号跨越了从五线谱从上数的第二线,这是小字组f的位置。

C谱是由数字3和在它左边的一个粗的垂直线组成，中间缺口所卡的线所表示的音高为小字一组的c。这种谱表的写法有两种，第一种就是"第三线c谱表"，即数字3的那个缺口正好对准五线谱中间的第三线；第二种叫做"次中音谱表"（第四线C谱表），3的中间正好对准五线谱的第四线。在历史上，这种谱表是被用来作为一个"可移动的五线谱"来减少太多的下加线，但是现代的出版者通常会避免一起使用它们而宁可来使用一个上述的8字符号。

调号

调号的作用是避免对于五线谱中的一系列需要升降的音进行标注。后面的课程会涉及到"度"和在调号产生背后的理论，但是在这里也足以能够说明调号对于五线谱中的音符有很大的影响。古典音乐在五线谱的每一行的开始都有这样的调号。

音符

音符是在能被以符号纪录的音乐中最小的单位了。在现代音乐记谱法中，音符是被画作有一个椭圆形符号，大部分带着一根符干。音符在五线谱上的不同位置，决定了它们的音名：从A到G。

临时记号：升号、降号、还原号

两个音名之间的音，必需要用一些记号来表示。这些记号包括升号、降号（如同字母b）、以及还原号。这些符号在五线谱上出现既可以定义一个调，也可以仅仅改变一个音的音高。这三种记号在五线谱中通称“临时记号”。

右图包含了一个升号，它右上部的一个还原号，以及和还原号在同一间的一个降号。

临时记号都是写在符头的左面，并且其中心必须和符头处于同一线上或者同一间内，它们的作用都是一直延续到这个小节的结束。

滑奏和滑音

哈佛音乐词典定义滑奏为"通过滑动产生的度的变化"。有时这会和术语“滑音”混淆起来，滑音是通过持续的移动来升高或者降低音高使一个音向另外一个音变化。其实在古典吉他上演奏滑音是不可能的，因为随着手指滑过品丝，音高是的变化是不连续的。在吉他上滑奏是以半音来"计量"的——从起始音到结束音，都是以半度音来步进的。在吉他谱上通常用一个直线来连接需要滑奏的音，并且通常会标上"gliss"字样。

泛音

右图中包含了三个音符，中空的菱形符头来表明它们应该被演奏成泛音。

在最后一个我要谈到的关于音高的符号是泛音标识的使用。而可惜的是在印刷的吉他谱中对于泛音的标示并没有一个统一的标准。一个普遍的做法是对于泛音标识全都使用那种菱形的音符，来取代椭圆形的符号。那么疑问就来了，因为有时候作曲家标示了真实的音高，有时候标示的仅仅是手指在音品上的位置和使用哪根弦来产生泛音，而有时候呢，在五线谱上用菱形符号来表明特定的音符低一个八度。吉他可以产生自然泛音和人工泛音，这也同样带来一些符号记录上的问题。在泛音的符号记录上有太多的变化了，但是如果一个著名出版商的出版物中，通常会解释如何来注释泛音符号的。如果不是这样的话，你要么听这首作品的录音，要么用你最好的判断来看怎样演奏才听起来最好。
－第八课音乐的要素（下）－

节奏

节奏可以被定义为音乐在时间轴上运动的性质。在这一节中，我将介绍在乐谱中表达节奏的最常用记号。这些记号包括：拍子；小节；拍子记号；休止符；速度记号；符干，符尾，附点和连接；连音记号；滑音记号；断音记号、顿音记号和延长记号。

拍子

拍子是音乐中最基本的因素，它推动乐曲的发展。在流行音乐中，拍子体现得非常明显。这很容易让你产生共鸣，随着节奏翩翩起舞。而古典音乐却不把节奏夸张到这个程度。事实上，古典音乐作曲家更喜欢在作曲的时候，将最基本的节拍延伸到许多小节中，从而创造出合乎节拍的音乐流动。因此，在弹奏乐曲的时候，尽管不一定非要意识到’节拍在哪里’，但你往往可以感觉到，音乐的生命力正是因为拍子的存在而存在。

小节

音乐的基本节奏单位被包含在小节中。音乐的小节是指在五线谱上下线间的一条竖线和下一条竖线间的内容。出现在小节中的临时记号（不是调号）仅仅会影响本小节的音符。如果作曲家想让同一个变化出现在下一小节，那么临时拍子记号需要在下一小节内重新标明。另外，一个小节所包含的节拍数必须严格遵循拍子记号的规定。

使用小节的原因在于很多乐曲中都存在有规律的强弱变化。在一个四拍的小节中，强音通常出现在小节的第一拍，第三拍则是一个次强音。而在一个三拍的小节中，第一拍是强音，第三拍仍然是一个次强音。要认识到的是，不是所有的乐曲都用小节来记录，但是，作为吉他演奏家（除了极少数现代的吉他曲）都会使用小节。因为，只有非常少的吉他演奏家具有一看乐谱就能奏出的本领，而小节记号无疑为大家的视奏带来了极大的帮助。

拍子记号

拍子记号是由两个数字组成，紧跟在调号后面。一般写在乐曲第一行，也可以根据作曲家的意愿出现在乐曲的任何地方。拍子记号的形式很像数学中的分数，上面一个数字，下面一个数字。下面的数字代表拍子的基本计量单位，即一拍在时间上有多长；上面的数字表示一小节包含多少拍，也就是在一个小节中有多少个基本拍子单位。我们来看一个例子，一个拍子记号是3/4，它的意思就是以四分音符为一拍，在一小节中包含三拍。一个给定的拍子记号，我们可以有各种不同的组合方式，有多种不同的选择。比如，一个3/4拍的小节，可以包含6个八分音符（加起来是3拍），全音符加上一个二分音符（总和依然是3拍），或者，无穷变化的音符组合起来，只要它们的拍子总和是3拍就可以了。

在乐曲中最常用的拍子是4/4拍，所以我们也常称它是’普通拍子’。普通拍子不是用’4/4’来标记，就是用一个大写C来记号。你也应该见过一个大写的C中间有一条垂直线，这个记号是2/2拍的简写形式–其含义是以二分音符为一拍，每小节两拍–英语中常称其为"cuttime"。

休止符

休止就是指音乐中间’无声音’的一段时间。休止在到底是否应该被看作是音乐的一部分,或者说是否需要"演奏"出来是一个有争议的问题。不过，无论从哪个角度来看，休止在任何乐曲中的作用都是非常重要的。在很多类型的音乐中，休止是在乐曲中表现音乐效果的必然手段和技巧，尤其体现在’古典时期’（在1770年到1830年）。休止也零星的出现在其他的音乐中，特别是浪漫音乐或者根源于民间文化的音乐中。

在学习演奏中，仔细认真斟酌如何在乐曲中表现好休止是非常重要的一件事情。有一些演奏者在他们演奏中从来没有停顿，他们只是一味的弹，遇到休止符时，他们或者让音乐渐渐停止或者他们的停顿就是手指的转移而已。尽管吉他的演奏技法取决于声音的圆满，但是它也源于音乐流动与停顿之间的和谐。

速度记号

速度记号是为了告诉演奏者每一拍时间的长短，速率。大部分乐谱用词或者词组来表示速度。以下是常用的速度记号–但是绝对不单单只是这些–Largo（最缓板）,Larghetto（甚缓板）,Adagio（慢板）,Andante（行板）,Moderato（中板）,Allegro（快板）,Presto（急板）,Prestissimo（最急板）。这些符号的绝对速度是每分钟40拍到每分钟200拍左右。虽然这些基本的节拍单位已经被精确到了每分钟具体的拍子数，而实际上现代音乐只是象征性的运用这些符号。一些作曲家利用速度记号来阐明自己对整部作品时间周期的意图，而用什么样的速度来表现作品，使乐曲在多长时间后结束最终还是取决于演奏者。

其他的一些速度符号是作曲家特别为演奏者标记出的对于演奏特定位置的速度快慢的要求。’ritardando’，’rit’或者’ritard’表示缓缓的放慢速度；’ritenuto’则表示突然的放慢速度。’accelerando’或者’accel’的意思是加快音乐的速度。’rubato’是最经常被滥用或者误解的速度记号，其含义是演奏者在弹奏乐曲的时候应该是稍微的放慢或者加快速度。一定要仔细注意在表现’rubato’的整个过程中，’rubato’听上去的效果就像没有被表现一样。这种感觉会让很多演奏者在实际演奏中忽略演奏这个速度记号，或者只在记号那一点弹一下就算了。

符头、符干、符尾、附点和连音线

节奏的最基本的表达方式之一之一就是代表不同时值的音符。所有的音符都有一个’头’–一个可以与’符干’相连的圆圈。一个具有符干的音符可以有好几条’尾巴’。最后，这个由符头－符干－符尾组成的东西后面也许还会有一个或者两个’小点’跟着。当符头只是一个空心圆，没有符干，这就是’全音符’；当这个空心圆与一个符干相连，它就变成了半音符；如果这个空心圆被填满了，就成了四分之一音符。如果再给这个音符加一个’尾巴’，你就会看到八分之一音符；两个尾巴是十六分之一音符，三个呢，是三十二分之一音符，等等。但是，记住，最多只能有5条符尾。另外，你不能在音符没有符干的时候填满符头，也不能在音符是空心圆的时候加上符尾。在阅读乐谱的时候，这些规则能够帮助你简单快捷去理解乐谱的含义。

附点可以被添加在任何音符或者休止符后面。每一个附点都表示为其左边的音符增加了其音符时间长度的二分之一。例如，如果你有一个全音符，你给它加了一个’点’。这个时候音符的时值就是一个全音符的长度加上半个全音符的长度。如果你再给这组音符加一个’点’（双附点），就又增加了半个二分音符的时值。如果我们用四分音符来表示的话，就是四个四分音符（全音符）加上两个四分音符（第一个附点）再加上一个四分音符（第二个附点），共七个四分音符。别担心，尽管我们可以给音符添加很多附点，但是我可以肯定的告诉你，一个以上的附点在乐谱中是很少见的。

延音线是一个用来连接同一个音高相邻音符的短短的圆滑线。它的目的时为了延伸音符的时间为第一个音符和第二个音符的长度总和。延音线常用于延伸音符的时值至另一个小节。

连音记号、跳音记号、顿音记号和断音记号

节奏的另一个重要的层面是两个音符之间的关系。连音记号是一小段圆弧，从连音开始的第一个音符起延伸到最后有一个音符结束。这表示，使用连音记号的音符要弹奏的尽可能与前一个音符相连贯。注意不要混淆连音记号和延音记号。连音记号连接不同音高的音符，而延音记号连接相同音高的音符。

跳音记号（Leggiero）是一条画在音符上面的水平短线，它表示在两个连续的音符应该表现出清晰的分割。

顿音记号是放在音符正上方的一个小圆点。在弹奏它的时候，你必须在弹响音符后迅速将其止住。声音的停止可以是轻微地抬起左手，将右手指放置在琴弦上，或者其他不会影响你继续演奏的方式。一定要仔细辨别音符确实发音了，因为这很容易把声音的停顿弹奏成大鼓奏法（tambora），而不是顿音。

断音记号（Portato）要求弹奏时只发出音符声音长度的一半，另一半以间歇代替。它的记法是在顿音记号上加一条连线。

延长记号

延长记号是由一个小圆点和圆点正上方的一段圆弧组成的。它意味着你在演奏中应该制止音乐的流动，将音乐’悬挂’一段时间。这个时间应该有演奏者来决定。演奏者应该根据整篇音乐的需要而决定。

强度记号

音乐强度在这里被定义为音乐的剧烈程度和声音的大小，以及它们在音乐中的变化。’Dynamic’这个词是运动和变化的意思。在音乐中，强度记号既是静态指标也是动态指标。比如’Forte’（意大利语中’强’的意思）被标记为’f’。强度符号在音乐中的使用主观性很强，更多的是依赖于乐器和整篇音乐的风格。在鲁特音乐中’f’的强度和中音萨克斯音乐中’f’的强度是不可能一样的。下面我们将分别介绍p（piano，弱）、f（forte，强）、m（mezzo，中等的）、cresendo（渐强）、decresendo（减弱）以及sforzando（加强）。

一般情况下，最常用的强度符号是’f’和’p’。这些符号又常可以两个一起用（pp，ff）甚至三个一起用（ppp，fff）来表示音乐的强度。越多的’p’表示声音越弱；而越多的’f’则表示声音弹的要越强。在节拍器上，’pp’和’ff’也常用’pianissimo’和’fortissimo’来表示。修饰用的符号’m’表示’一半’的意思，也常用作强度的修饰符号。举个例子，’mp’表示中弱，也可以被写作’pp’。很显然，强度符号由很多主观性很强的符号表示。我几乎没有看到过绝对的强度符号，例如’60分贝’。但是谁又知道，在现代电子音乐不断普及的今天，这种情况是不是会变得越来越平常呢？不过我觉得，至少你在弹古典吉他的时候尽可以放心，这种情况是绝对不会出现的。

渐强和渐弱

渐强和减弱符号是常用的强度记号，分别用来表示音量加强或者减弱的过程。渐强符号是由两条相等长度的线组成，它们的左端相连，右端逐渐张开。这个符号开始于使用渐强符号的音符，开口端画到作曲家希望效果停止的地方。渐弱符号的画法正好与渐强符号相反，交叉端在右侧，开口在左侧。一般情况下，在这种符号的两端还常有静态强度符号标识（例如，ppp>fff）。为了有效的表现强度效果，有的时候渐强或者渐弱需要延迟很长一段时间，乐谱上的表示方法一般是在下面画一条线，线的长度就是效果表现的长度，线上面直接用’cresendo’和’decresendo’指示演奏者演奏。

重音（Sforzando）

另外一个常用的强度符号是Sforzando（sf或者sfz）。这个符号画在音符的上面，表示在这里要演奏一个突然的重音。

古典吉他演奏中的强度

其实，在古典吉他中表现出动态效果并不难，但是很多专业演奏者却没有充分发挥出技巧的潜力。假如你演奏一个清晰的乐音，哪怕是’ppp’，在一段距离以外也是可以清晰听到的。在吉他上表现强度最大的威胁就是手指的紧张。紧张会使声音减弱，从而使听众难以听到。你可以通过演奏单音来练习强度的变化。有一些吉他演奏家声称他们可以使声音在他们弹奏的动作结束后音量变大。初一听觉得这种说法不大可能，但是仔细一想，吉他其他的琴弦以及面板可以由于共鸣而发出声音，也许这是可能的，只是我还没有达到这个水平来证实这个说法。

音色

在技术上，音质是音乐的质量，也就是声音的协调完满。这个我们已经在第六课详细的阐述过了。在古典吉他中，音质为音乐增加了色彩。其实，音乐就像是由和谐的音色调配而成，而画家们也是在用同样的方法为他们的作品赋予生命，因此，比起’音质’我更喜欢用’音色’这个词。

音色记号

只有很少的音色符号用在传统吉他的曲谱上。现代的吉他音乐已经发展了很多记号去专门表示吉他的音色，而这些已经脱离了传统的乐器演奏技法。我不准备在这里讲解现代的音色记号，原因在于这些符号并不标准也不普遍。

拨奏（Pizzicato）

拨奏的含义在吉他上和在其它弦乐器上是有着一些差别的。拨奏在小提琴以及其它弓弦乐器上是指象弹吉他或竖琴一样直接用手指拨弦。而吉他为了模仿相似的声音，拨奏技巧的实现是通过在拨弦的同时用右手掌两侧肉较厚的部分阻止弦的自由振动。演奏中，止弦的不同位置和压力可以产生出丰富多样的效果。

大鼓奏法（Tambora）

如果乐谱中符头用一个大写X代替常规写法，那么在演奏时，左手和平常一样按弦，右手则需用大拇指外侧敲击琴弦，就像是敲鼓的样子。虽然旋律可以听出来，但是由于敲击的动作不太可能只敲击某一条琴弦而不触及其它，所以效果不是很容易控制。