周小平，男，汉族，2005年在校期间参加工作，2005年加入中国，西安音乐学院音乐表演专业毕业，硕士研究生学历。

现任西安音乐学院副教授，硕士研究生导师，从事器乐演奏及音乐理论教学工作。

中国音乐家协会会员、陕西省音乐家协会会员、中国音乐家协会音乐考级委员会单簧管、萨克斯考级评委、全国音乐考级委员会高级考官、全国器乐大赛评委、陕西省高校技能大赛裁判、陕西音乐奖器乐比赛评委，陕西师范大学、陕西广播电视大学、陕西音乐艺术学校、西安华西大学、西京大学特聘教授、西京大学管乐团指挥、西安空军工程大学军乐团指挥。

单簧管、萨克斯管的教与学涉及的是另一个领域。

每个学生都是一个个体每个老师也是这样。

学习可以是任何水准的,从入门程度到音乐学院或大学程度。

这种学习可以是一对一的,也可以是小组学习形式的。

当然在单簧管、萨克斯管的使用方面有许多不同的音乐概念需要探索。

很难设想,单簧管、萨克斯管的教与学会有一种“完美的”指导方法。

但是,就贯穿于各种水准的正确的教学方法而言,我至少能提出我自认为比较重要的某些要素。

虽然有些很特别的例子——有不多的几位单簧管、萨克斯管演奏家真正是自学成才,但是,通常情况下,单簧管、萨克斯管的学习是通过学生、教师与院校之间的交互作用而开展的。

这种学习过程的目的是:激活和提升潜在的天才和在所有的单簧管、萨克斯管学生身上或多或少存在的音乐想像力;用技艺、判断力和经验来武装学生,把这些手段用于音色的想象,并且构成有表现力的准确演奏。

这种演奏可以根据书面乐谱而产生,也可以根据记忆或内心听觉而产生,也可以根据单簧管、萨克斯管演奏者可利用或希望采用的众多不同风格而产生。

音乐是一个复杂的课题。

它包含了身体的、情感的和智力的成分,这些都需要引导。

学习成绩可以分出许多个层次,在学习过程中,在某种学院的环境中通过老师的指导,学生的努力就会变成他们的演奏表现力和技术水平的逐渐提高。

依我的观点看,着眼于现实目标,递增式的进步,是各种层次学习取得成功的关键,无论是白丁初学者,还是博士预备生。

例如,有些学生可能只是对音乐有一种不大不小的热情,他们视音乐为业余消遣或与人竞争的兴趣之一。

虽然他们不期望达到专业的演奏水准,但只要他们有一定的探索意识和小小的进步,他们与音乐和单簧管、萨克斯管的关系就应该是积极的。

同样,我发现,即使是最出色的演奏家,当他们停止了在老师指导下的正式学习很久之后,他们仍在不断地监控和改善他们的演奏,而且他们的演奏态度仍然是好学和开明的。

在这个意义上,对那些认真的学生而言,学生与教师的关系只是一个终生自主学习的发射台。

乐器演奏的学习可以小组的形式进行,特别是在早期阶段。

但是普遍的情况是,对任何一个其兴趣不只是一点点的学生而言,学生和老师一对一的教学方式将会构成学习过程的重要组成部分。

在学习的过程中,学生和教师各自有明确的职责。

学生的第一和最重要的职责,就是至少从心里有一定的兴趣、好奇心和学习动机。

成功的学生愿意每天练习,做功课有主动性,而且把老师看成是引路人,而不是他们自己的工作的替代人。

还希望他们的初始兴趣不仅源于听音乐的享受,而且也源于对它的演奏;而且学生在取得进步的同时,会力求把这两种活动联系起来。

任何一位教师,无论他是多高的天才,也不能替学生来演奏乐器。

最终,学习的职责总是落在学生的肩上。

对这一点了解得越早,他能取得的进步就越多。

与此同时,教师的职责是解释者、提醒者、分担者鼓励者、示范者、启发者和共同探索者。

老师的职责就是利用严格和循序渐进的方法开发学生的天赋和激发他们的动力,因人而异地为每个学生设定切合实际的和具有挑战性的标准。

管一个好的教师应该坦诚对待学生,这种坦诚体现在功课评价、对优点提出表扬和提出建设性的批评意见,需要的时候,偶尔也可以斥以重责。

我见过许多优秀教师,他们都有不同的个性:有的人和蔼可亲、有的人寡言少语、有的人不拘礼节、还有的人很刻板,等等。

他们承担的共同任务,就是扮演一个积极的角色一无论是一次性的授课(大师班)还是长久的关系都是利用课堂时间来使学生的音乐个性得到张扬把他们的理解和技巧知识传授给学生,从而使学习者提高他们的音乐思想的表现力。

这些过程搭建了一个基础,在这个基础之上,学生能够形成各自的实践方式。

院校能够提供一个广阔的音乐环境。

一所尽职的音乐院校可以提供一个相互交流的社区、一种支持竞争和使竞争健康发展的氛围,而且能够为学生们提供一个以乐队演奏方式运用他们技艺的机会。

院校般能够在音乐学术方面提供教诲—理论、历史、作曲、改编等课程,这些课程既可以是对乐器演奏学习的一种支持,或在高级的课程里,它们也是最终的学习目标。

键盘演奏学习、听觉训练、其他木管乐器的学习和专家的爵士乐即兴演奏都可能接触到。

这些都是珍贵的机会,对那些初学者,能加强他们演奏的乐趣(尤其是乐队演奏),而对于高水准的学习者,除了寂寞的练习之外,能够使他们获得广泛而多样的演奏(学习)经验,而且能够进入一个更广阔的音乐天地。

在一对一的课堂上,一位单簧管、萨克斯管教师不可能提供所有这些经验,但是,他能够和应该鼓励学生尽可能多的利用各种机会去学习克服技术难点:方法与实例在学生与教师的教学关系的进程中,无论这种关系持续的时间长短,教师将会面临这样的问题—学生的演奏中存在着必须克服的困难。

教师的职责如同一位医生:教师必须直接诊断出问题所在,然后采取行动来纠正它们。

在诊断问题时,教师会聆听和观察,有时会询间学生是如何完成的动作。

纠正问题主要是和教有关的任务,它是一个复杂的领域,需要思考和敏锐的判断。

在技术问题方面,有时直接解释身体如何动作,就足以把学生推向正确的轨道。

而另外的时候,教师可能会利用一首类似的和样板性的曲目,通过语言说明或示范动作来帮助学生。

我相信,利用这类样板和模拟,在教学方面有很大的促进作用。

因为它们把复杂的身体交互作用简化到易于理解的程度,而且因为在学生的心里简化了复杂的任务,所以能够有助于建立良好的习惯和演奏信心。

当然,由于技术上走向熟练,演奏者会试图把动作和力气的消耗降到最低限度,那么,有经验的教师就会设法找到一种易于理解的概念以便使学生尽早理解它而且能够在实际中顺利地应用它。

(1)我采用音节训练方式教学生练习节奏视唱和发音方式,并且用之构成音色创造模式。

作为示范,我给我的各种程度的学生唱或“说”了许多音乐例子,我还鼓励他们以相同的方式练习。

即使旋律的音高唱得不正确,但这也是一种在想像力中巩固音乐轮廓的好办法,而且能获得一种直觉,即演奏是开始于我们内心音响的实现(无论学生是否从理性上认识到这一点)这种练习还使舌头做好了准备,尤其是在实际演奏中要求舌头完成的那些动作。

同样,在教授句法的时候,唱谱也很重要,因为这能够在不动手指的情况下模拟音乐轮廓,在关注句法的时候,手指的动作会分散注意力。

对于初次接触句法概念的年轻学生而言,唱一些与句法相匹配的字词,对于理解音乐句法与讲话通用的模拟方式很有帮助。

(2)当帮助初学者构成口形和发出第一个音响的时候,我不是花费很多口舌大讲口形而使学生晕头转向,我只是把食指放在口里代替吹嘴而示范一个口形样板,让学生对此进行模仿,必要的时候可以使用镜子。

下一步,我们把口形“练习”转到乐器上进行,或许只使用哨片和吹嘴,把它作为中间阶段。

这只需花费几分钟的时间,但是,它能够给学生提供一个有价值的参照点,并且还提供了一个对他的口形构成具有实际意义的、有形的样板。

(3)在练习颤吟时,我再次采用了用手指练习口形的方法,我要求学生在含住手指“练习”口形的同时,说出音节“ YUYUYUYUYUYUY”或“ WAWAWAWAWAWA……”,由此而使下巴微微起伏。

虽然在念诵这些音节时,舌头只部分地参与,而且参与的方式也与实际演奏的动作无关,但是,只要学生把注意力集中在下巴的运动上,这种“训练性的”颤吟可以很快地被转换到吹嘴/乐器上。

还有,做出与颤吟的动作有关的身体示范是非常重要的,这会使通常难以掌握的技巧变得非常容易。

(4)许多学生有时会碰到因为口形太紧而造成的声音狭窄问题。

即使从理性上知道了这个问题的所在,但这个习惯也难以打破。

为了迫使学生放松所有的施加在吹嘴和哨片上的过度压力,我会要求他们向乐器吹进充足的气流—但是,不能使哨片吱吱作响和发出乐音。

一旦采用了这种新的下巴和面部肌肉放松的方式,就可以尝试发出乐音,一般会获得改善的结果。

(5)横膈膜是人体上很难识别的一块肌肉。

让学生了解它在日常生活中的应用或在大笑的时候感觉到它的运动是非常重要的。

一旦从这些类似的活动中得到认识,对单簧管、萨克斯管的学生来说,横膈膜和它的功能就会变得更加明显。

(6)初学者往往一次只想到一个音,因而他奏出的句子常常是断断续续、变形或不顺畅。

当讲解在改变指法的同时保持均匀气息支持的时候,特别是连音奏法,教师的最行之有效的办法,就是近距离地站在学生身后并裹住学生的身体,当学生把精神集中在连贯吹奏的同时,由老师操纵萨克斯管的按键。

这个方法对帮助学生打破指法有变化气息支持也跟着改变的习惯非常有效。

(7)为了减小手指从按键上离开的动作,在按键上贴上一些双面胶带是很有效的。

还有,就是照镜子(解决这类问题的另一办法),这种办法不一定能阻止手指离开按键,但是,它会使学生从身体上感觉到是什么情况在发生。

当与简单的音阶练习相结合时,通过由慢到快的方式,学生一般会打破根深蒂固的手指和手位的坏习惯。

(8)啸叫音是所有的单簧管、萨克管演奏者至少在初学阶段面临的一个问题。

它的发生有多种原因:哨片与吹嘴的装配不当、乐器问题、口形问题、舌头的问题和气息支持不当。

有时会把泛音噪音错认为是啸叫音这种噪音也会因为上述的多种原因造成,也会因为指法配合不当而产生。

虽然教师必须仔细观察学生的演奏,才能找出原因所在,但是,作为第一个直觉反应,建议学生把吹嘴少一点含在口里通常是一个好主意。

或是让他们想象着把嘴构成一种“覆咬合”形状,即把下牙和下嘴唇向后收缩,使其更加接近哨片的尖端。

这种方法会使哨片更多地得到嘴唇的控制,如果是口形太紧的问题,那就让演奏者放松口形而发出音响。

一旦直接的啸叫音问题得到解决,学生的自信心就会得到恢复,潜在的问题就可以得到处理。

我并不是说,我在上面概括的教学技巧是唯一的教学方式,也不是说它们别具独创性,但这些方法的多数,是许多有经验的老师所通用的。

但是,值得注意的是,这些方法之所以被广泛采用,是因为它们很有效—之所以有效,是因为它们把演奏单簧管、萨克斯管的动作与各种模式相联系,所有的学生都不用花费太多的体能和智能,就可以理解和应用这些模式。

它们的逻辑在于,它们使学生们相信,他们已经知道如何完成一项任务,因而能够使他们产生信心。

学生几乎立即就能够得到这些演奏技巧的身体“感觉”,这一点非常重要,即使彻底的理性认识来得很晚也不要紧。

这些基本手段可用于各种层次的教学,无论是第一次给年轻的演奏者讲授概念,或帮助高级别的演奏者在技巧方面进行细微调整。

把这些手段与明了的解释和鼓励的态度相结合,教师一般能够为学生打下一个良好技能的基础。

拓宽音乐素养的问题教师除了帮助克服单簧管、萨克斯管演奏机制的问题之外,还必须能够预见到学生的更广阔的音乐发展问题。

第一,单簧管、萨克斯管演奏者必须拥有广泛而多样的曲目(包括经典作品、改编曲、当代先锋派作品、轻音乐、爵士乐、摇滚乐和流行音乐;能适应于各类演奏,包括协奏曲独奏、室内乐、管弦乐队、大乐队乐器组、爵士乐小合奏、摇滚乐小组,等等),发展出敏锐的历史与风格的判断力。

第一,应该不断地鼓励学生在音乐演奏中发挥创造性,他们最终应该找到一个表现他们自己的个性方式尽可能让这种乐器发出独一无二的声音。

这些目标听起来似乎有点荒谬。

从教师的角度看,关键的一点是给学生设定参数和鼓励他们发挥他们的创造性。

以第一点为例,为了培养风格判断力,应该有意识地在教学中安排多样化的内容,这一点至关重要:课程可能涉及长音练习、音阶和琶音练习、练习曲、供学生演奏的小品、二重奏、与钢琴一同演奏的小品(如果老师有钢琴演奏能力的话)和即兴演奏。

当然,对初学者而言,需要定的时间才能逐步掌握这些东西。

但是,我在我自己的教学中,我会尽早要求初学者靠记忆演奏至少一种音阶,而且还学习古典风格和流行音乐风格的独奏曲、二重奏和有伴奏的小曲。

每一堂课的时间可能不容许检查所有的作业,但是,我每一个星期会留一小套作业,在不同的阶段,每一套作业通常至少包括下列内容的一部分:一些无乐谱的材料一些使用印刷乐谱的材料、一些包含有挑战性的提高技巧能力的材料、一些趣味性或复习性质的作品、一些单独演奏的作品、一些合作演奏的作品、一些学生已经知道的作品和一些需要他们解读的新作品。

在课堂上偶尔加点视奏内容也是很好的训练方法。

随着学生取得进步并走出初级阶段,可以为他们设置更多的内容,也可以满足他们的兴趣所在,但是,教师应该确保不要让学生永久地把自己封闭在任何一种音乐风格里。

即使已经达到学院级水平,我发现广泛地掌握技术性作品、练习曲、各种类型的曲目、二重奏乐队片段和其他作品仍很重要。

当然,不同学院的课程设置可能更强调古典音乐或爵士乐与流行音乐。

但是,即使处在这个层次上,为什么不鼓励学生发展多种技能?依我的观点看,应该鼓励那些学习古典音乐课程的学生,让他们开发至少一点点即兴演奏能力;同样,那些学习爵士乐课程的学生,也应该与现在为该乐器积累的丰富的音乐会曲目进行至少有限的接触而从中受益。

还有,所有高级程度的单簧管、萨克斯管学生,都应该熟悉萨单簧管、克斯管族系的所有成员,而且能够通过学习其他的木管乐器而受益。

所有这些经验都有助于音乐才能的发展,能提供对音乐和技巧的新认识,能通过消除对未知事物的恐惧而增强信心,而且它显然能够拓展可用于音乐演奏世界的技艺。

如果跟随一位单簧管、萨克斯管老师一周上一次课,学生不可能全部学到这些课程,但是,学校、大学或音乐学院的环境通常能够为这些课程的学习创造必要的机会。

无论如何,多方面的学习是理解和鉴别风格和传统的关键,我的观点是,教师应该不断地鼓励他们的学生做到这一点。

当然,多数单簧管、萨克斯管演奏者最终会或多或少地专攻某一主要领域——但是,希望这种情况是产生于本能,是被某种音乐所吸引,是在许多工作中挑选出来的,而并非是有限教育的结果。

在更具体的涉及音乐诠释和试图建立一种个性表现意识的时候苏格拉底的方式—即提问式教学—是一种非常有效的技巧。

可以询问学生作品的结构如何、它表达了什么情绪、随着乐曲的发展,它体现了何种性格、他们对该作品的感受是什么—一所有这些问题都需要学生去倾听他们自己的演奏,会使他们投入到音乐当中,而且有助于在学生的头脑中形成概念,用这种方式形成的概念,比仅靠老师简单地说应该这样做”而形成的概念更明确。

即使学生提出的概念在老师看来有些愚蠢,它也可以成为对话的开始,这个对话容许学生提出创造性的观点。

需要再次指出,偶尔靠记忆演奏和即兴演奏,对于超越技巧和读谱限制来说,是非常有用的训练。

在诠释作品时,和技巧练习一样,教师的准确示范一般会很有帮助,和学生一起演奏也是如此(二重奏,或者,甚至演奏相同的旋律)例如,可以在特定的句子上获得 (自由伸缩速度)的感觉。

把一个著名的格言加以修改之后就是:一个听觉美景值得千言描述。

参加大型乐队(管乐队、管弦乐队、爵士乐与流行乐队)对于学习绝对重要,而且也很有趣。

这类演奏是一股强大的推动力,能够巩固一对一课堂上的学习,尤其能帮助年轻的学生加强节奏感。

参加室内乐规模的小组诸如单簧管、萨克斯管四重奏或小型爵士乐队的活动非常有益,因为在排练中,学生能够学会把课堂内容加以转换和吸收,而不总是等待老师和指挥家的指示。

学习应该直接针对目标,这种实践同样也有一个目的,就是帮助学生保持学习动力。

这个目标就是演出,这种演出可以是各种形式和各种规模,而且可以直接在学习的过程中进行。

对初学者而言,每星期的课堂本身就是一种演出。

随着时间的推移,具有不同压力级别的演出目标可以包括:在乐队音乐会或重奏音乐会上演出、为家人演出、参加英国联合委员会的考试或美国的独奏与重奏“比赛”、参加大师班或研习会、在学校的音乐会上演奏作品、为进入青年乐队或某些课程班或学院而试演、或参加某个国际独奏比赛。

所有这些目标都适合不同的学生和不同的学习阶段。

敏感的教师会指导每个学生经历一个逐渐提高挑战性目标的过程,这个过程对学生而言是一种享受,它也是教育带来的好处。

无论简单与否,学习音乐如果没有这些演出目标,就像是学习法语,但从来没有使用这种语言进行交流。

音乐是一种交流的艺术,单簧管、萨克斯管是这种交流的工具;单簧管、萨克斯管教师永远都不应该在他们的全部技巧教学中丧失这种理念。

最后,有几个要点需要提出。

第一,最成功的单簧管、萨克斯管学生是那些有求知欲、每天练习和听音乐的人,是那些运用他们的想像力来表现音乐和展示技巧的人。

没有这些基本的要素,即使是杰出的教师,也不会产生多少影响力。

第二,我所知道的最优秀的教师,是那些最能够激励和引导他们的学生培养这种心态的人,是那些用榜样进行引导的人。

在学习新事物、倾听新概念和扩展他们自己的表现范围方面,他们仍然充满好奇心。

在这种情况下,学生和教师都得到了激励,这种学习过程是种非常有意义的体验,尤其是单簧管、萨克斯管,它提供了这样一个可供探索的、不同寻常的多彩世界。

虽然单簧管、萨克斯管曾经被视为一种“有局限的”或“编外的”乐器,但在过去的世纪里,它已经有了超乎人们预料的发展它抓住了公众的想像力,积累了令人羡慕的曲目,这个曲目的广泛性或许只有单簧管、萨克斯管独有。

这种乐器的未来当然是光明的,单簧管、萨克斯管现在是人们最愿意学习的乐器之一,合格的老师也很容易找到。

把单簧管、萨克斯管作为一种工具,可取得的音乐效果就像天空一样是无止境的。