学画将近20年了，我试着把我学习绘画的经历分享出来。

给自己的成长做一个现阶段的总结，也希望这个经历能对广大绘画小白有一定的借鉴和帮助。

我从六岁开始学画画。

但是没有接触过正规的儿童画训练上图中，这些漂亮又美丽的儿童画无缘于我。

我的童年画室，现在已经被开发商拆掉修成商业街了画室的地面都是铅笔灰我在一个老旧的画室里直接开始了石膏素描训练。

依稀记得我学的第一张画就是正方体。

之后每个周末都去画室学习。

老师则在画室里摆上今天要画的东西。

但不做任何具体的讲解。

只是让我们对着自己所看到的东西去画。

长大后才知道，就在业内叫做放羊(只管不教，放任生长）。

老师示范？不存在的。

绘画指导？听不懂的。

放羊了一个学期之后，我画了人生中的第一张石膏组合体，那时我刚刚学前班毕业。

六岁的第一张期末毕业作品就这样当了几年“小羊”。

每次都是画石膏几何体。

实在是厌倦了，所以三番五次的恳求老师能不能画别的，于是画了人生中第一张石膏雕像——亚历山大大帝的面相。

儿童绘画的特征就是没有物我之分。

儿童能轻易的将情绪表现在自己观察的对象之中。

这两张亚历山大的素描我现在是画不出来的，我很喜欢这两张，他们很可爱。

左边机灵，右边忧郁~左图是亚历山大的电视剧，右图就是原版石膏那个时候画室里还有一个石膏，我也很想画，我一直叫她老奶奶。

直到有一天，来了一个年轻的老师，他跟我说这是海盗。

所以后面又把他画成了海盗，给他配上了弯刀和雪茄。

但长大后才知道这个雕塑既不是老奶奶，也不是海盗，他是大名鼎鼎的哲学家伏尔泰先生。

上大学时听老师讲西方美术史才发现原来的雕塑这么漂亮。

这才是哲学家的感觉嘛！中国市面上流通的大部分石膏像翻制的太简陋了。

就这样，我不知不觉的从6岁被放到了12岁，被放了6年的羊。

那一年画室搬迁，我来到了一个更大的环境跟着高中的考前班学生们一起学习。

我是那个画室里年龄最小的学生。

我开始跟着那些大哥哥，大姐姐们一起画更加复杂的石膏。

这个时候的我不知不觉的好像画得更好了一些。

石膏像画的更加立体了，颜色画得更加丰富了。

后来研究儿童绘画心理学，我才明白，儿童只有在十岁以后才有所谓的空间思维。

那之前画石膏体是学不会的，与其说我是慢慢学出来了，倒不如说是经过了这么多年之后，我的脑袋里长出了立体感。

大家看一下，我8岁和13岁画的同一张石膏的对比效果我们就可以明显的感受到13岁画的石膏立体感比8岁强很多，8岁的画更加抽象。

左图是8岁时画的，右图是13岁时画的但是我的老师一直没有教我到底该怎么画画？每一次我问他，我的画面有什么问题的时候，他会跟我说：“你的画面还不够整体。

”“你的画面有点飘。

”“你这个形体还不够扎实。

”当我问他什么是整体？什么是漂？什么是扎实的时候？他又不解释了。

还经常跟我们强调画画要悟性。

要多去感受，多去体会。

我那时蠢，但不代表我傻。

从小喜欢看书，每当我有不懂的地方，我都会去看书。

所以初一那一年。

我天天流连于书店之中。

终于有一天看到了一本书。

他的名字叫素描的高度，是一本非常厚的书。

那个时候的我得抱着它看。

这里面有从文艺复兴时期到21世纪以来历代著名艺术家的素描手稿。

我在这里面认识了达芬奇，拉菲尔，米开朗琪罗的优雅和精巧。

看到了丢勒，康勃夫，门采尔的严谨与豪放。

感受到了梵高，席勒的孤独苦闷。

我好像对这本书着迷了。

从早看到晚，反反复复的看。

如饥似渴地看着这些画。

渴望从里面得到一些启示。

我开始从一个一个的看转变成互相对比着看。

我把他们的画剪下来，放在一起同时看。

我突然发现文艺复兴三杰的线条和笔触是如此的相似。

那个时候的我当然还不理解什么是解剖，什么是结构，但是我从表面的现象里看到了相似点，就是他们对于线条的操纵方法是一模一样的。

达芬奇手稿及其细节拉斐尔手稿及其细节米开朗琪罗手稿及其细节他们都会非常整齐均匀的去排线。

其实我回过头来看我自己的画，我才发现我的线条和他们不一样，是如此的凌乱不堪。

13岁所画石膏局部图于是我首先决定先把线条画得和他们一样。

我花了六个月的时间，天天练排线。

一个学期过去了，我的素描有了明显的变化。

初一下学期石膏作品大家可以看到这个时候的素描和以前的素描就不一样了，我体会到了巨大的成就感，这是自我发现，总结并实践，然后获得成果的一个过程，这种快乐难以形容。

从那一刻开始，我更加的喜欢这本书了。

大师们的手稿我开始更加系统的去总结他们，学习他们。

丢勒素描作品我从丢勒的素描里学到了线条的包裹状态，学会线条要顺着物体的表面爬行。

康勃夫素描手稿我从康勃夫的素描里学到了边缘线的厚度是顺着结构的起伏来变化的，而且意识到边缘线的刻画，对于绘画效果的影响极其重大。

克劳迪奥的素描作品克劳迪奥的素描作品我还遇到了我绘画中的初恋，当时小小的我看到了克劳迪奥的素描作品，惊为天人。

此前在画室里没有碰到任何一个人，能够把素描画到这种程度。

心里惊羡，他得多么冷静，多么细致，才能把一个东西观察到这般的细腻精确，又将它准确地展现出来。

而且他还不是单纯的复制对象，他所画出来的效果进行了微妙的处理，使得画面中呈现了一种非常宁静的气氛。

完美的呈现了静物的静穆之美。

所以后来在我的第四期素描基础班教学的时候我把这张画作为经典进行了讲解，并且示范了这幅画的绘画过程。

我的临摹示范过程图算是我对克劳迪奥的致敬。

感谢遇见了你，让我知道什么叫做安静，什么叫做耐心。

那么什么是经典？什么是大师呢？我个人的理解就是有些画我们第一次看很惊艳，过了一个月，两个月，一年，两年之后再来看，未必就有这种感觉了。

但是真正优秀的经典作品。

第一次看是一个感觉，以后成长起来了，再看又是另外一种感觉。

每一次看你都觉得它好。

这就是经典那个时候还在这本书里看到费欣的作品。

费欣地素描作品很惊艳。

但不知道它好在哪里？后面在央美学习绘画，了解了更多关于西方古典绘画技术之后。

才越发觉着他厉害。

他的作品不在于他思想的深刻性，而在于他技术上的超人之处。

他的素描不依赖光影，不依赖明暗，纯粹的靠骨肉结构的精确刻画来支撑他全部的体量。

事实上，他的作画过程是先看到了骨头，然后才看到了人。

领悟到这一层之后，我就按照这个思路临摹他的另外一幅画。

这个过程就是从骨头画到肌肉再画到毛发。

准确来说，我不是在画人，而是在造人。

这些自我参悟的过程，极大培养了我的学习能力，也让我从心底里更加的尊敬和认可这些古典主义大师。

到了16岁，上高一。

我已经不再满足于画素描了。

花光了零花钱托人从德国带来了一盒色粉。

德国辉伯嘉色粉48色因为我查阅资料，发现文艺复兴三杰画画成所使用的材料都是粉笔。

那个时候还没有铅笔。

许多壁画也是用粉笔画的。

所以我打算用粉笔来画我人生中的第一张色彩。

体会他们作画的感觉。

临摹列宾的色彩作品这个小女孩，这是我人生中的第一张色彩。

这画跟我自己一样大，画了一个星期。

每天就拿着粉笔细细的打磨。

完成后让自己大受鼓舞，我开始明白“素描是绘画的基础。

”看到这里，我相信大家会感觉到惊讶。

为什么我第一次画色彩可以画到这个程度。

那个时候我完全不懂色彩理论，只是素描功底还可以。

其实古典主义大师安格尔说过一句话：一张画3/4的功力在素描。

我只是把那3/4画好了，所以如果现在有人要问我到底什么才是绘画的基础。

至少就西方古典绘画而言，那一定是素描，也必须是素描。

高三在北京学习绘画的日子，让我认识到了什么叫做考试。

我可以20分钟默画四个人打麻将的场景速写。

也可以一个半小时默画各个年龄的人像。

但是有什么用呢？高考阅卷场景他们千人一面，毫无区别。

艺考和艺术毫无关系。

在某种程度上，这种考试制度是对中国真正有艺术细胞的人的一场惨烈摧残。

虽然最后我如愿以偿进了中央美术学院，但是我并不感谢我所接受的美术教育。

当年许多同学名落孙山，如果我不是有童子功护体，肯定就被淘汰了。

上大学后发现我都许多同学们不画画了。

他们千辛万苦考进来却已经丧失了绘画的兴趣。

所以陈丹青曾经在央美讲座时说过，在不在央美读书不重要，重要的是是否一直还坚持在画画。

由于爸妈担心搞纯艺术会被饿死，我没有选择油画系，改了设计。

一开始是不情愿的，但是学习之后，我很感谢我的设计老师，让我明白了整个艺术发展的脉络。

设计是艺术的延伸。

一个真正优秀的设计师，得学会完全的站在客户的角度上去想问题。

放下自我，站在客户的角去表达自己的观念。

我本来是一个很自闭的人，不喜欢说话，在大学里却为了良好的表达自己的方案，天天改ppt到深夜两三点。

现在设计理念起源于包豪斯许多艺术家太注重于自我，沉浸在自己的艺术情绪之中，他们很少学着去如何表达自己的想法，尤其是用口头语言去表达。

而我们的社会好像也接受艺术家这种孤僻的形象特征，包容这种假象。

因此我也能理解为什么每次我小时候问老师怎么画的时候，他总是强调感觉。

因为他的确是靠感觉画的。

但是作为一个教育者，怎么能够靠感觉呢？我觉得一个好的教育者和一个好的设计师一样，得真正的站在学生的角度上去表达观念和知识。

我开始去带考前班。

艺考是一条艰辛的道路我想把自己的艺术见解分享给学生们。

让他们少走一些弯路，让他们不至于再画得不明不白，不知道自己为什么这样画画。

但是我悲哀的发现，在那种环境里面，所有的学生就和当年的我一样，最关心的是考试技巧，最关心的是两个小时之内能不能画完，考官们喜不喜欢，这样画能拿多少分，没有人在乎为什么这么画，也没有人在乎这样画到底美不美。

还有许多学生是被自己的家长逼着来学画画的，他们根本不喜欢画画，自然也就无所谓。

所以我又明白了一个道理，教书育人是两个人的事情，不是一个人的一厢情愿。

知识要教授给想学习的人。

学生想学，老师想教，这才是最良好的氛围。

我开始萌生出想教成年人学画画的想法。

因为他们绝大部分人是自发自愿的，渴望画画的。

尤其是这个时候，我碰到了另外一个师兄。

他在美国教儿童画彩铅，他跟我说了一个美国钢琴教育的现状。

正在练习钢琴的孩子他说在美国，每一个钢琴老师（不管他是从哪一个音乐学院毕业的）在刚开始教琴童们学习弹奏时，都会选择贝多芬或者肖邦这些伟大的古典主义钢琴家们的谱子。

左图贝多芬，右图肖邦他们都会站在大师的肩膀上学习。

这不就和我的自学之路是一样的吗？可是我们的美术基础教育没有这样子。

每个老师都有每个老师的想法，而且我们从来不学习大师的作品。

我很纳闷，为什么在我们最重要的基础阶段不向大师学习，而去画一些不明所以的石膏几何体呢？说句题外话，我们现有的绝大部分的素描教学体系却传承苏派教学的。

那个时候的俄罗斯，什么都要跟欧洲不一样。

绘画也要弄出一个和欧洲资本主义家们很不一样的体系。

偏颇的证明自己和意大利人不一样，和法国人不一样。

有许多最本质的东西都已经被扭曲了。

传承到中国，再扭曲一遍。

已经是一个四不像的东西了。

这套苏派体系最大的弊端就是为了画素描而画素描，过分地强调解剖，结构和完整性当初文艺复兴时期的大师们画素描就是为了打个草稿而已啊！创作和表达才是绘画的核心。

毕业后，我了解到了线上美术教育。

发现这是一个很好的机会，可以让我实现自己的美术教学理想。

我想师法古典，重建体系。

我想认认真真的做一个大师的搬运工。

将那些传承千年的真正精髓的绘画技巧和思想重新传播出去。

这些学习过我的课的人就不会再让他的孩子们去学一些无聊的东西了。

不会再被放羊了。

这也算是弥补了我童年的缺憾。

当我开始从事线上教学。

我急切的渴望，把我学习到的东西都分享出来。

但却残酷的面临的一个现实，我这些知识都是从各个大师的作品里拿来的。

很零碎。

不成体系。

那时我在看哲学书，看到了亚里士多德的第一性原理。

亚里士多德雕像我们小孩子总是爱问为什么，但是为什么问到最后总有一个没法问为什么的东西。

那个东西就是第一性原理。

是所有问题的开端。

其实每一门学科都有它的第一性原理。

牛顿的物理学就建立在“世界是运动的”这个基本原理之上。

我不由得开始想绘画的第一性原理是什么？我还看到了芒格的多元思维模型。

醍醐灌顶，特别认同他的学习方法：一个成年人学东西一定是学思维模型，而不是学知识。

在一个旧有的思维模式里，是无法接纳新的知识的。

就像我外公出门前必烧香算命看黄历一样。

因为在他的思维模式里，不看这些，你就不能安排今天的行程。

想着想着，发现自己其实那些年从大师身上真正学到的是如何观察世界的思维，而不是简简单单的技法。

绘画更重要的是把观察思路讲清楚，再根据思路配合严谨的技巧训练。

于是我开始整理我脑海里所有的绘画技巧，找到他们共同的思维模式。

我想把我这些知识整合。

只有形成的体系，才能够更加方便教学。

知识只有融会贯通了，才能够产生1+1大于2的效果。

花了一年多时间，在不断的教学和摸索中，终于整理出了四大基础思维模式。

画画主要使用的就是这四种思维，图形思维，空间思维，体块思维，骨架思维。

图形思维就是把所有的东西都简化成有颜色的图形。

它可以是黄色的三角形，黑色的正方形。

带着这样的目光去看，再复杂的东西，不过是一堆有颜色的形状拼凑出来的。

我们在ps里面把图片放大，会看到模糊的马赛克。

其实在电脑的眼睛里，所有的图像都是一个个有颜色的正方形组成的。

这就是图形思维。

从图形的思维角度出发，我们这可以用宫格法剪影观察法来画画定位。

文艺复兴时期的丢勒，在早期教授自己的徒弟，画画时就是这么干的。

丢勒描绘了那个时候的学徒们画画的场景但是这些都只是绘画的四大思维中的一种。

它的目的就是为了复制图片。

因为文艺复兴时期画一组壁画不是一个画家就可以完成的！通常都是多人合力完成，所以如何让自己的徒弟能够快速地复制自己的手稿和人物设计是所有职业画家面临的最重要的问题。

但是创作却不能用这套思维，它需要剩下的三种绘画思维，明白空间规律和生物架构规律，明白骨骼肌肉在绘画中的作用，以此来创造莫须有的人物和场景。

限于篇幅，这三种思维，我就不累赘的讲述了。

以后有时间把这些思维写清楚了，我就把链接再更新在这里。

这是我这一路以来的绘画学习过程。

我现在的梦想就是做一个优秀的美术基础教育者，建立并完善素描教学体系。

我希望所有在我这里学画画的人都不用再经历我年幼时经历的那种画画不知道为什么这么画的痛苦。

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