汶麟中国著名摇滚乐队子曰吉他手独立音乐人独立唱片制作人音乐思维方式从编曲到弹奏的每一个音，都是在大脑中构思完再付诸实现。

从理论来讲这牵扯到创作、灵感等多方面内容，不过所有技能都是音乐组成的部分，都是通过时间积累出的技能模块。

对琴的控制能力，对乐曲结构掌握的熟练程度，包括组乐队等都可以加深人对乐器的认知。

“音乐是人的思维，能够无限扩展。

”01拓展思维的建立——如何举一反三尽可能跳出常规的理论，但是在理论的基础上进行扩展；一旦你熟练掌握了规律，就要尝试去破坏它；先从感性的角度学习音乐，培养对音乐的感觉，然后再系统学习音乐理论；七分听，三分练。

02吉他入门学习四个元素及其拓展音色音色是乐器学习的第一位，如何将音色调至满意的程度，首先是要创造音色的标准，这就要求对音色的构想，乐器的标准从听过的最好的经典作品中获得。

要达到音色的标准后再去拓展。

比如电吉他，最基础的声音是手指按弦发出的声音以及拨弦发出的声音。

以开放音为例，标准的音色是亮度和和基础宽度以及力度足够。

在基础音色之上吉他还可以演奏出闷音，甚至更多音色。

国外现在在吉他教学中会进行开放音和闷音的转换练习，那么加上泛音、连音、敲击音、击勾等一起混合转换，就是一种拓展思维，也就是在基础之上进行更多的变化。

旋律音阶音阶是学习乐器的第二位，因为有很多古谱都只有旋律保存了下来，现如今演奏的版本可能节奏是与古时不同的。

旋律音阶的拓展从学习基础音阶开始，音的不同能体会出不同的色彩。

调式音阶、和声音阶等等之外，尝试使用地域来学习音阶的话会发现，变化一两个音，整个音乐的色彩就改变了。

七声音阶大调可以理解为德系音阶，严密、有秩序，环环相扣、阶梯的色彩；中式音阶就是五声音阶，即C、D、E、G、A音阶；而日式音阶是D、E、F、A、B的五声音阶；印度和阿拉伯等地区在所有音阶的基础上使用更多半音，包括半音的半音，增加神秘的色彩。

包括布鲁斯也是五声音阶为基础再增加。

和弦和弦是现代西方音乐中非常重要的组成部分，东方本土音乐却十分缺乏。

可以通过很系统的方法来学习和声，比如通过和弦的连接去学构成。

扩展和声思维的方法与音阶一样，在学习了一定知识之后，可以尝试一些即兴的组合，比如茉莉花可以使用拥有东方色彩的小十一和弦或是小九挂四和弦、小七挂四和弦来演绎。

同样茉莉花可以演绎成通俗模式或是复杂的模式。

和声的扩展有多种方式、多种可能。

对未知的东西保持距离不去设法学会、掌握是无法拓展提升的。

节奏节奏的学习重要性实际上名列前位，例如一些非洲国家的音乐并不存在旋律元素，而是以节奏或律动感为主体。

关于节奏的拓展，这里以吉他为例。

很多人在学习吉他节奏时把吉他仅仅当做是吉他练习，这样就失去了乐器演奏学习提高的机会。

不妨将吉他想象成是其他乐器，比如把它当做鼓的组成部分，试着将踩镲的音色借鉴到吉他上，进行踩镲模拟练习，练到一定程度时，就可以通过即兴的形式进行拓展。

又或者吉他可以变成贝斯，将slap击勾弦等等形式融入演奏，就会拓展出很多新的节奏效果。

03音乐创作中的思维拓展子曰从概念来说有一个思维：要跳出常规的one·two·three·four的状态，要在别人未注意到的缝隙里加入自己的想法，不光是要整齐，而且要在音乐的缝隙里塞进去一些让人感到意外惊喜的东西。

以节奏型为例，一定要在常规节奏型的缝隙里在增加一些内容，就是funk，真正的funk思维就是这么来的，音乐里所有的缝隙是funk非常重要的东西。

崔健影响了子曰的节奏，但是崔健在音色和空间方面没有影响太多。

旋律是子曰自己独立的思维方式，学问是在配器上，尤其是鼓的编排上下了很大功夫。

因为乐队和个人音乐有很大差异，个人音乐突出的是个人的声音或者是吉他音等等，乐队则需要考虑到整体画面，特别讲究编排色彩，比如吉他是乐曲中的色彩乐器，子曰比较忌讳将吉他分为主音吉他和节奏吉他，音乐就是配合，如果两个吉他手，音乐是交互着来的，尽量不做两人齐奏，因为不同人的音乐有不同特色。