最近有很多学员纠结学习吉他一段时间后使用什么记谱方式，继续六线谱还是五线谱学习呢？音乐本是时间的艺术，但是时间稍纵即逝，美好的音响一去不回。

为了保留声音，人们发明了乐谱，试图通过记谱法的沿革，使音乐长久流传。

然而，不同的地域，不同的历史决定着中西记谱法产生发展的差异性。

这在一定程度上提醒着我们，应当在音乐教学和实践中正确地审视记谱法的问题，从中窥探其在中西音乐发展历程中所体现的不同价值。

有一本书《记谱学》里第一句话就说：世界上没有任何一种谱子可以准确的还原音乐，所以开始锻炼你的耳朵吧！下面为大家先介绍几位盲人音乐家。

他们没有办法看到曲谱而学习音乐，大部分盲人是通过听音来模仿练习或是使用盲谱，不管五线谱，六线谱，还是简谱，那只不过是一种记谱方式，不要把时间用在去更改自己学习很多年的记谱方法，那就像让你从新学习一门语言一样，这里也只是针对学习很长时间六线谱和简谱的人。

所以也不要有五线谱高级或六线谱低级的观点。

选择用什么记谱方式要看学习的年龄和自己的方向目标。

别忘了我们学习吉他的目的是演奏音乐。

Ray Charles7岁失明 15岁开始表演音乐1930年，雷·查尔斯出生于美国乔治亚州。

从6岁开始，雷的眼睛出了问题，视力愈来愈弱，7岁时便已完全失明。

雷的母亲对他非常严格，在他失明后，还教他洗衣、生火烧水。

他说：“旁人都认为她十分残忍，可我母亲一直认为，我必须要学会这一切，眼睛看不见并不代表我比别人笨。

”母亲送他到佛罗里达圣奥古斯丁的一家残疾学校读书，在那里，他用布莱叶盲文学乐谱，创作音乐，并先后学会了弹钢琴、风琴，吹喇叭和奏萨克斯管。

15岁离开学校后，年幼且目盲的查尔斯开始独自追求他的音乐梦想，他开始在夜总会表演。

1948年查尔斯来到西雅图，开始组成第一个三重唱，接下来几年乐团编制不断加大。

50年代，雷.查尔斯开始在黑人节奏蓝调榜上多有斩获，之后他成功地突破黑白界线、打入流行市场，整个20世纪60年代到90年代都是他的黄金时期，近35年里几乎每年都有录音作品问世，他的声音频频出现在电视、电影。

73岁逝世 无数歌迷热泪盈眶临终之前，雷推出了他的第1万场音乐会，并与B.B.金、诺拉.琼斯、威利.内尔森、詹姆斯.泰勒等12位知名歌手合录了最后一张对唱专辑《真情奉献》（GeniusLovesCompany）。

这位传奇音乐人最后一次公开露面是在2004年4月30日，他当时坐着轮椅参加了在洛杉矶的录音棚为他而举行的一次庆典。

2004年6月10日，雷.查尔斯因肝病在加州的家中去世，享年73岁。

雷去世的第二天，刚好是美国前总统罗纳德.里根下葬的日子，所以葬礼那天，许多电台都放着雷在1985年里根就职典礼上令人难忘的表演——他演唱的《美丽的美国》。

它曾让无数歌迷热泪盈眶。

13次获奖 涉足音乐每一领域查尔斯对流行音乐的最大贡献在于他把自己早年在黑人教堂里所学的福音音乐的精神，与曲调忧郁的布鲁斯音乐有机结合在一起，创立了全新的音乐流派：“灵乐”——他因此被尊称为美国“灵乐之父”。

1950年与美国大西洋唱片公司签约后，雷.查尔斯推出的第一首轰动性歌曲《我有一个女人》被称为第一首真正的美国黑人歌曲。

雷.查尔斯一生共13次获得代表美国流行音乐最高荣誉的格莱美奖，于1986年荣登“摇滚名人殿堂”之列，早在1987年他就获得了格莱美终身成就奖。

爱尔兰大师级音乐人范·莫里森(VanMorrison）对雷·查尔斯如此评价：“雷证明了最好的音乐可以超越任何界限，涉足到每一个领域。

他能做出任何类型的音乐，同时还能忠于自我。

这一切，都有关他的灵魂。

”“他的声音美妙得足以令人晕倒，你能听到布鲁斯，听到R&B，听到福音，这些是我之前听的所有东西，而现在却被融入这么一种令人惊异却又充满感情的音乐之中。

”美国乐评杂志曾经写到：“他不仅是伟大的音乐家，令人惊叹的唱片制作人，还是个极为出色的经纪人。

”“那是心无杂念的灵魂在歌唱……”灵魂歌王第47届格莱美奖2005年颁奖典礼似乎更像是一场为美国“灵乐之父”雷.查尔斯而举行的纪念盛典。

格莱美评审委员会不但将包括年度最佳专辑等8项大奖全部颁给了04年6月辞世的雷.查尔斯，更安排了两个特别纪念单元：R&B女歌手艾利西娅.凯斯和在音乐电影《雷》中扮演查尔斯的杰米.福克斯合作，在制作人昆西.琼斯指挥的管弦乐队伴奏下，演奏了查尔斯1960年横扫格莱美四金的名曲《GeorgiaonMyMind》；在最后一项大奖颁出之前，曾9次赢得格莱美奖的著名歌星邦妮.瑞特和另一位蓝调大师比利.普雷斯顿再次合唱了属于雷的音乐。

作为对一个音乐人致敬的传记影片，在人物性格上全面地展现之外，同样需要将他的音乐贯穿全片。

雷·查尔斯最初的音乐事实上是纯粹的模仿，他有天赋但却未展现，直到遇到大西洋唱片公司的艾哈·迈特，他让雷·查尔斯完全开始做自己的音乐。

雷·查尔斯最初学的是爵士钢琴，然后开始融进自己的风格。

直到他的第一首单曲《我得到一个女人》问世，这首歌曲被称作第一首真正的黑人歌曲，并且大胆融入福音，轰动一时。

当雷·查尔斯综合了节奏蓝调和福音感觉的灵魂乐嗓音开始广为流传时，他的独特音乐风格开始形成。

被称作灵魂乐之父的他事实上并非只是单一风格，他在乡村、蓝调、灵魂、爵士、BigBand音乐风格上都有涉猎。

影片中一直再现他的一些名曲，诸如《敞开我心扉》、《我不能停止爱你》、《乔治亚，我的爱》。

其实影片中也一直颇有意味将不同年代的名曲伴随着雷·查尔斯的人生旅途进行，你其实可以发现雷·查尔斯早期作品都带有明显的直露的性感色彩，这与他来自社会底层黑人家庭有关，一种百无禁忌的大胆。

然而正是这种有点出格的音乐与当时开始解放个性的时代相当匹配，问世后便大受欢迎，影片也顺便将当时的社会人文进行了一次巡阅。

雷-查尔斯一生所演唱的最有影响的歌曲有：《Georgia On My Mind》，《Hit the Road Jack》《The Right Time》《Yes, Indeed》，《Hallelujah, I Love Her So》和《I Can’t Stop Loving You》等。

除对黑人音乐做出巨大贡献外，雷-查尔斯还在流行标准乐、爵士乐和乡村音乐方面取得过不少成功。

Andrea Bocelli1958年9月22日，安德鲁•波切利生于意大利一个热爱音乐的农业家庭中。

他从小就显露出惊人的音乐天赋，然而12岁那年，他在一次踢足球时发生意外而导致双目失明。

从此，在幽暗的岁月中，音乐成为他触摸世界的惟一方式。

30岁时，拥有法学博士学位的波切利考到音乐大师弗兰科•科瑞利门下。

在学习期间，帕瓦洛蒂在歌唱上给过他重要的指导。

1992年开始，一连串的机遇使波切利从一个酒吧钢琴师一跃成为国际巨星。

在近10年的演唱生涯中，他不但在古典艺术歌曲中体现了很深的造诣，而且在古典音乐流行化演唱上做出了极大的努力。

1998年波切利推出的《咏叹调》是国际上发行最成功的歌剧专辑，在多个国家的古典音乐排行榜上遥遥领先。

波切利在这张专辑中充分展示了他的大胆与能力，所选唱的曲目都是传统男高音中最难唱和最富于技巧性的咏叹调，有普契尼的“冰冷的小手”（《艺术家的生涯》）、“今夜星光灿烂”（《托斯卡》）、“再见吧，可爱的家”（《蝴蝶夫人》）、威尔第的“美女如云”（《弄臣》）、比才的“花之歌”（《卡门》）等。

1999年11月发行的专辑《Sacred Arias》从字面上翻译应为“宗教咏叹调”，而国内更习惯将其称之为“千禧礼赞”。

在这张专辑中，波切利以虔诚的态度以及精湛的唱功，深情诠释了16首来自历史上不同时期著名作曲家的宗教歌曲。

如其中的舒伯特、古诺等人写下的《Ave Maria（圣母颂）》、亨德尔著名的《Ombra mai fu（在那树荫底下）》、威尔第《安魂曲》中的选段《Ingemisco（叹息）》以及弗兰克的《天国的食粮》等等，都是历史上最为杰出的宗教咏叹调。

专辑的终曲特别选用了法国神父Jean-Paul Lecot（里库）为千禧年而写的圣歌作品《Gloria a Te……安德烈•波切利：Sogno大地之梦／收录大地情歌、祈祷（与席琳狄翁合唱）、梦等十四首名曲。

倾听波切利的歌声，让您由俗世的纷乱嘈杂中，跌进美好的梦之土，在那里阳光将万物重新染上鲜明的色彩，大地没有疆界，而人心也不再有距离。

《大地之梦》是对生命的歌咏，是超越一切横逆的力量，是让心灵深处悸动的爱情。

意大利人是最善于唱歌的民族。

这张专辑主打歌曲《大地情歌》由1997年全球最轰动的歌曲Time to say goodbye《告别的时刻》原班人马所创作，气势恢宏壮阔。

温柔守护爱人归来的《梦》，《我在颤抖但我爱你》以隐喻谴责战争，慧黠的酒吧邂逅插曲《我爱罗西尼》，到乡愁为纪念2001年意大利最负盛名的歌剧作曲家威尔第逝世100周年，PHILIPS公司特别在2000年推出这张《Verdi》（国内亦称之为《非常威尔第》或《世纪末的温柔》），波切利在其中亲自挑选并献唱15首最钟爱的威尔第男高音咏叹调。

威尔第在歌剧中为男高音谱写的咏叹调，在引人入胜的情节中，勾勒出情感强烈、旗帜鲜明的角色个性；以其深沉的抒情风格与迷人的旋律线条，刻画鲜明的人物典型，或为悲剧性人物，或为意气风发的英雄，如：《阿依达》里的埃及战士拉达梅斯、《弄臣》里自我中心的公爵、强盗头子艾纳尼、《露易莎•米勒》里的高雅贵族鲁道夫、《游唱诗人》里不幸的曼利可、《命运之力》里受命运诅咒的………… 若上帝也有歌声的话，那声音就如同 Andrea Bocelli（安德烈．波切利）的歌声。

Andrea Bocelli是个盲人，他的声音具有古典男高音的质感，声音转换十分的平滑，没有生硬的感觉，所以他能够非常好的完成演唱歌剧的重任；另外，他是迄今为止古典流行跨界最成功的男歌手，2000年他凭《Sogno》中的同名歌曲获得葛莱美最佳流行男歌手的提名。

《Sogno》专辑也是1999年，2000年连续两年古典专辑年度排行榜的冠军专辑。

Stevie Wonder艺人资料史提夫·汪达（Stevie Wonder），1950年5月13日出生，美国黑人歌手、作曲家、音乐制作人、社会活动家、盲人。

他擅长多种乐器，如电子琴，钢琴等键盘乐器，口琴，鼓，吉他等。

是一位唱乐皆精的全能艺人。

个人经历史蒂夫·汪达（Stevie Wonder）原名Steveland Judkins，1950年5月13日出生于美国密歇根州（Michigan）萨基脑（Sag-inaw）的一个黑人家庭。

早产的Stevie刚出生就被送进婴儿暖箱，却因为暖箱供氧过量而永远告别了光明。

Stevie Wonder可算是位“天才歌手”，他4岁学会吹口琴，5岁开始学钢琴，11岁就会演奏10多种乐器，他还生就一副好嗓子。

1963年，他以一曲《Fingertips》夺取单曲排行冠军3周，震动了整个乐坛。

当Stevie Wonder1962年开始录制唱片时，他才只有11岁。

尽管在那时，没有迹象能表明他的才能有多深，但他的才能已经是很明显的了。

毕竟，音乐是这个令人吃惊的天才儿童的工作。

不久，Stevie Wonder就因《Fingertips》而扬名于外。

两年后，他成为Motown的最好的艺术家之一，录制了一系列极有才气的单曲。

在这段时间内，他的专辑就像Motown别的专辑一样，是一首最佳单曲和一些令人愉快的歌的组合。

也只有Wonder被允许去偶然的录制一些反映他自己成长的社会意识的歌。

例如他在Bob Dylan中的热门的《Blowin’ in the Wind》。

直到60年代末，不但他自己的唱片在热门榜上有名，他还为别的许多Motown的艺术家提供了好多歌和资料。

包括the Spinner的《It’s a Shame》还有和Smokey Robinson合写的《The Tears of a Clown》。

演艺经历在多年的演唱生涯中，他以自己的天赋才华赢得了许多令人羡慕的殊荣。

从60年代中期开始，Stevie佳作迭出，其中绝大部分是情歌，如表达纯真爱情的《I Was Made To Love Her》、《Never Had A Dream Come True》以及《Signed,Seal-ed Delivered I’m Yours》，后者是他参与制作的第一张专辑，这之后他推出了自己的第一张专辑，都由他个人一手经办。

1971年，Stevie潜心钻研Aip和Moog两种合成乐器，并将所习发挥在专辑《Music Of My Mind》之中，取得不俗成绩。

1972年，他又推出了《Superstition》赢得“黑白乐迷”的热烈反响。

之后，Stevie又陆续有专辑《Talking Book》《Innervision》问世，此中他尝试了多种乐风，如拉丁曲风的《Don’t You Worry About A Thing》。

1974年，大手笔制作《Fulfilling Ness’ Fir-st Finale》推出。

1976年推出的《Songs in the Key of Life》蝉联排行榜冠军达14周之久，可谓乐坛奇迹。

随着他的创造力犹如跳跃一般的飞快的提高，Wonder不久就开始感受到了Motown的严厉的制作和发行合同的束缚。

当他的合同于1971年期满后，Wonder自己个人录制了两张唱片，并以它们作为他和Motown谈判合同的工具。

这两张唱片给了他对自己的专辑以及他自己的歌最大程序的艺术上的控制。

之后不久，这两张唱片《Where I’m Coming From》和《Music of My Mind》—就被发行了。

《Music of My Mind》，特别的起到了一个开创灵魂乐的新时代的作用。

伴随着Sly Stone和Marvin Gaye，Wonder不但尽责的在制作灵魂乐的专辑，不单是收集单曲，同时还执着的为表明他的艺术风格而努力。

在他的下两张专辑：《Talking Book》和《Innervisions》中，Wonder变得非常的复杂而有创造力。

除了他在音乐上的创新之外，Wonder还像其他很多的流行歌手一样，将他善辩而激烈的歌词在一些有关社会和种族的刊物上发表。

Wonder通过在1974年的《Fulfillingness》、《First Finale》和1976年的《Songs in the Key of Life》一直保持着他的创作高峰。

三年后，他发行了令人迷惑的《Journey Through the Secret Life of Plants》，这次发行却迎来了可怕的评价。

在1980年，Wonder发行了更直率的《Hotter than July》，这本专辑得到了更充分的更好的评价，并成为了他的第一本白金专辑。

但是，在这之后的十年间，他没能维持住这种状况。

虽然他的唱片卖得很好他也偶然的拿到一些热门金曲的排名包括《I Just Called to Say I Love You》他的唱片却不再像80年代一样受人瞩目了。

在90年代，他虽然还是一个伟大的音乐家，但他的音乐却已不再流行。

史蒂夫在2005年再度出击乐坛，推出获得好评的《A Time To Love》，并因此获得第48届格莱美奖最佳流行男歌手。

2007年发行精选集《Number Ones》。

2009年开启“A Wonder Summer’s Night”演唱会，3月发行现场专辑《Live at Last》。

4月发行单曲《All About the Love Again》，7月发行录音室专辑《Best Of/20th Century》。

2013年12月发行精选集《The Christmas Collection: The Best of Stevie Wonder》。

2015年开启他的“Songs in the Key of Life Performance”巡演，并宣布延长巡演时间。

2016年，在58届格莱美颁奖典礼上表演，与Pentatonix乐队一起登台献唱，致敬逝世的Funk名宿Maurice White。

阿炳因为1950年那次录音保留了他创作的六首乐曲：即今天已为世人所熟知的二胡曲《二泉映月》、《听松》、《寒春风曲》，琵琶曲《大浪淘沙》，《龙船》，《昭君出塞》。

这是一件万幸的事情。

作为民间艺人，他艰苦的一生也许只是有史以来无数血泪人生其中的一次。

阿炳音乐的成功，有他个人成长经历的特殊性、有当时客观的社会环境、也有中国传统艺术的传承特点，所以围绕着阿炳这样一个非物质文化遗产传统音乐代表作的创造者，研究应该是立体的、系统的，包括美学、社会学、教育学、文化学，只有这样，才能发掘由其音乐作品传递的深刻内涵。

阿炳是源自草根的艺术家，他的传播途径是街头巷尾的谈唱，比较当下的网络歌手自由的传播模式，乔建中认为，这些有利条件是阿炳当年无法拥有的，但要再出现一个阿炳，却很难。

“艺术要不得一点浮躁，阿炳艺术成就的萃成，有他丰富的人生阅历，有深入民间的体会体察，更有传统艺术的深厚浸润，所以研究阿炳“苦难”的成功才显得特别有意义，对现在的艺术人是一种启发。

”来源于民间的阿炳音乐，每一次弹奏时都有即兴地创造，这来源于阿炳几十年演奏传统音乐的积累以及对生活的感悟，仅仅关注弓法、指法、音准、力度的学院化教学，仅仅一首《二泉映月》的弹奏，无法诠释出阿炳音乐的全部内涵。

所以对阿炳精神、阿炳音乐的传播、研究应该更加细化，使之成为非遗传承保护的一个独特范本。

[9]阿炳的即兴演奏，不仅成就了《二泉映月》这支自述式的悲歌，更主要的是它摆脱了那种赏玩式的心态，上升为一种与我同在的共命运感。

对人世的关怀，对自我的思考，以及遭受的磨难，使一些人很容易地把他和贝多芬相提并论工尺谱历史悠久，唐代即已使用燕乐半字谱，如敦煌千佛洞发现的后唐明宗长兴四年(933)写本《唐人大曲谱》。

至宋代即为俗字谱，如张炎《词源》中所记的谱字，姜夔《白石道人歌曲》的旁谱、陈元靓《事林广记》中的管色谱等。

一直发展到明、清通行的工尺谱。

这种记谱法到清乾、嘉年间，出现一种用工尺谱记写的管弦乐合奏总谱——《弦索备考》即《弦索十三套》。

以下转载至网络五线谱的优点如下：五线谱上能够清晰的看到声部之间的关系，五线谱是可以通过连线以及音符符干方向表示出不同声部，以及不同声部的延音长短的。

而且上面一般来说会有音乐的表情符号，如强弱，如速度，如情绪，如渐弱渐强力度变化等等。

而且通过五线谱我们可以很方便的看到这种歌是什么调。

但是，除了旋律线看不出来之外，其余的五线谱优点制作精良的六线谱也能做到。

比如五六线对照的，所以指法写在了五线谱上。

但即使是左手指法，你也可以写在六线谱下，比如《地狱训练》《小林克己》所以说，目前目前为止五线谱的优势并不多，但旋律线这一条挺重要的，五线谱会让你更好的按照旋律走向控制演奏的表情。

所以如果是学古典吉他，还是学五线谱比较好。

但不要认为五线谱就万能了，因为即使谱子写的再细致，也无法把曲子的情感完全准确的表现出来，还是要结合学习音频或者视频演示才能更好的表达出来。

然后就是重点了。

古典吉他之外的呢？民谣呢？指弹？电吉他呢？先说民谣，如果你只弹民谣的话，是不需要学习五线谱的。

因为民谣最简单的记谱是用简谱记旋律，功能记和弦的，比如下面这样的，属于商演常用的，因为每天扒歌量非常大，所以需要简单记谱，而且要方便转调，所以只记一下级数和一些关键位置：当然，平时的时候就不推荐新手们用这种方法了。

但我们用正常的六线谱就够用了。

一些特殊的分解和弦和前奏尾走等用六线谱表现出来，也大体够用了，大家最熟悉的这种：所以五线谱在这里，并不是必须的，简谱记旋律比五线谱反而更方便视唱和转调。

再来看指弹吉他，本人对指弹（此处特指日系与美系等）涉猎不深，如有错误，敬请指正现代指弹包含了非常多复杂的拍击等技巧。

所以谱子写出来也很复杂，如：因为即兴的时候有很多细微的节奏偏差。

这是用来表现一些细微情感的。

还有的时候是某一个动机弹顺手了，也就不管到底是几个音了，硬给挤到一拍里去。

而后期制谱需要达到准确，就会产生很多连线，以及奇数拍连音等等。

再加上一些细微的技巧。

最后谱子就变成了这样：大家有兴趣可以去找找STEVE VAI的原版谱。

更是复杂到没办法读。

但是往往很多写出来看起来很复杂的乐句，实际弹出来的效果却没那么简单。

所以其实扒下来比看谱子要简单的多。

如果你每拍打拍子，然后把你以前学过的节奏硬往上面一拍拍套用的话,会有崩溃的感觉，几乎无法完成！所以这个时候，就不是五线谱还是六线谱的事了，而是谱子本身就会制约你的演奏。

我一向推崇最好多用扒带的方式来学习，这样效果又好，又能真正提高乐感。

下一个问题就是“机械化”的问题，很多人认为六线谱没有音乐性，只有五线谱才有音乐性，我认为这种说法过于片面，是要加前提条件的。

前提条件就是你对指板的熟悉程度，这个熟悉程度不仅是指你对指板音符位置和指型的记忆，而且最主要的是包括了你的耳朵对于他们的熟悉程度！到这个阶段的时候，其实你看到一段六线谱的时候，脑子里还是可以反应出相应的音高的！更何况五线谱不经过非常大量的训练，加上升降号之后是很难就熟悉对应关系的。

我们毕竟是吉他专业，而不是作曲专业，没有那么多时间去专门的练习。

至于五线谱的视唱，我是采用的首调唱法，十二个调都可以比较快的速度唱出来。

这个以后有机会再和大家讨论。

还有的同学担心如果不会五线谱会不会影响视奏。

还有的同学担心说不会五线谱影不影响学乐理。

这个倒是有一点影响，但是影响同样不是很大，在这电吉他我就以现代吉他音乐（JAZZ，FUSION，BLUES等）为例了，其实大部分教程讲解还是以功能为主的，现代音乐的声部连接并不是像古典和声那么严格的。

所以其实影响也并不是很大。

至于学习爵士乐，爵士乐的谱子是这样的：一般是由五线谱的主旋律，和弦功能这两个主要部分组成的。

这不是五线谱吗？是的！但演奏爵士乐的谱子有一个规矩，就是“不按谱弹”，大家定好曲子后，是可以按照这个主要框架来做大量的即兴的，如果你是一音不差的把他们弹下来，那你弹的不是爵士！即使同一首歌曲，REAL BOOK的不同版本也是会有些许差别的，因为没办法统计所有人弹的版本！所以，其实主旋律还是通过耳朵扒下来就足够了，并不难！爵士乐的起源就是黑人民间音乐，很多黑人别说读谱了，就是大字都不识的文盲，但是仍然不影响他们行云流水的演奏，而你却照着谱子一个音一个音的抠，那是不可能赶上他们的水平的。

主流音乐宿主都是用钢琴卷帘的，这样：当然也有一些古典派作曲家会先用打谱软件，如西贝柳斯，OVERTURE等五线谱作曲，再导出MIDI文件，最后再导回到宿主里，挂上VST。

好了，最后，我的五线谱读谱能力还是比较强的，这里的前条件是我们的主业是吉他，做为学吉他的人并不是必须要精通五线谱。

因为人的精力太有限了。

我并不是否认五线谱的作用，毕竟五线谱是国际上目前最为广泛使用的一种谱子。

然而，我记得我拜读过一本《记谱学》的书，其实在音乐的进化过程中，除了五线谱，还有千万种其他的记谱法产生，而且我清楚的记得，记谱学的第一句话大概意思是，世界上没有任何一种谱子可以准确的还原音乐。

所以开始锻炼你的耳朵吧！简谱是指一种简易的记谱法。

[1]有字母简谱和数字简谱两种。

其起源于18世纪的法国，后经德国人改良，遂成今日之貌。

一般所称的简谱，系指数字简谱。

数字简谱以可动唱名法为基础，用1、2、3、4、5、6、7代表音阶中的7个基本级，读音为do、re、mi、fa、sol、la、ti（中国为si），英文由C、D、E、F、G、A、B表示，休止以0表示。

五线谱 (Musical Notation)是目前世界上通用的一种记谱法，通过在五根等距离的平行横线上标以不同时值的音符及其他记号来记载音乐，属于运用最广泛的乐谱之一。

最早的发源地是希腊，它的历史要比数字形的简谱早得多。

在古希腊，音乐的主要表现形式是声乐。

到了罗马时代，开始用另一种符号来表示音的高低，这种记谱法称为“纽姆记谱法”。

六线谱世 界上通用的一种专为吉他设 计的记谱方法，它的基本结构是由六根间隔相等的线组成，六根线分别代表吉他上的六根弦，最下面的一条线，代表吉他的第六根弦。

是把吉他的六根弦对应地划出六条平行的横线，来表示两手演奏的位置和动作（即指法），属于记录指法的乐谱。

六线谱不记录音的高低，但与简谱或五线谱结合对照起来使用时非常方便，既能表示音高，又能表示指法[3]。

1554年一张比尤艾拉琴的指法谱