技巧训练的形式是多样的，但就其本质而言，首先需要抓住几个核心，也就是各种训练背后的目的，然后根据自身情况选择练习的形式，甚至自己设计有针对性的练习。

可以总结成8个核心问题：1.速度（Velocity）2.手指独立性（Independency）3.双手协调性（Sychronization）4.运指的准确性（Accuracy）5.手指柔韧性（Flexibility）6.耐力（Durability）7.动作的简洁性/经济性（Economy）8.专注力（Concentration）所有的技巧练习无疑都是围绕这8个点设计的。

在目的明确以后，练习就更有针对性。

而音阶之所以重要，是因为它涵盖了大多数的问题。

对于音阶的训练，Leo Brouwer和Scott Tennant都设计了非常有效的训练方式。

对于练习者来说，合适的选择非常重要，这要求练习者对自身的技术特点有清晰的认识。

更专业的练习者应该具备自己设计练习的能力。

Carlevaro的教本被誉为技巧练习的圣经，但对业余爱好者（有时甚至专业演奏者）来说，巨大的篇幅让人感到迷茫。

Carlevaro的模式就是试图把演奏的所有动作都细分出来，然后分别加以练习。

简言之，就是：You’ll be safe if you have practiced ECERYTHING!（如果所有的东西你都练了，你的演奏就安全了）。

但这是多么浩瀚的工程啊！而且事实告诉我们，这么做的效果未必就是最好的，而且花费的时间是普通人无法想象的。

因此，最好的方法莫过于清楚地看到自身的技术问题，然后用最直接的方法去解决。

重要的是从本质上去看到问题所在，而不是什么“关节弯曲角度、手型垂直还是倾斜…”。

这些都是手段，问题的本质不清楚，任何手段都帮不上忙。

比如很多人说自己音阶不够快，就狂练音阶，每天弹500条。

可最后还是快不了。

问题在哪儿呢？他们不知道为什么快不了。

他们只知道练多弹音阶，而且弹的时候猛使劲，猛憋。

多练不代表能练好。

那到底是哪儿出了问题呢？我经常这么问：“动一动你的右手手指，看能动多快？再动一动左手手指，看你能动多快？”很多人发现能动得挺快，而且大多比我快。

你看，他们不是快不了，而是两手不协调性，这样音阶就慢了。

那这个时候训练的重点就是协调性，就应该放慢一点，仔细调整两个手的配合，而不是去猛憋。

有的人去花两年时间慢慢研习Carlevaro，最后跌跌撞撞的把这个问题解决了，但还是不知道究竟是怎么解决的，只说，Carlevaro真是无敌啊。

可事实是，这哥们儿只不过是把Carlevaro1000条练习都过了一遍，其中碰巧有那么一两条能帮他解决他的音阶问题。

那万一碰巧Carlevaro就漏了这哥们儿的问题呢？（每个人的技术特点千差万别，Carlevaro保不齐的，这时他跳进黄河也洗不清了。

）而技术上应该达到什么样的程度呢？那就回到一个命题上了——音乐决定技巧。

分解和弦要多快，这是根据音乐表达来决定的。

比如一段分解和弦，我在一个乐曲中需要120的速度来满足我的表达效果，那么针对这类分解和弦的练习就有了一个基本的目标，而为了使演奏更为保险，我们把目标定得高一点，140。

这样120就比较轻松，不至于总是在极限状态演奏。

那么要不要练习到250呢？可以想象一下1对4，250的分解和弦会是个什么效果？一团糊，你什么都听不到！那么如果你只是图个爽，想挑战一下极限，那不妨一试，但这已经是和音乐不相关的问题了。

而且你会花费大量的时间达到这个250，甚至都不知道有没有可能达到，这种情况就是本末倒置，浪费时间。

另外，对音阶还有个误区。

很多人说学管乐的每天花多少多少小时练习不同的音阶，而吉他的就不怎么练。

这或许又是个没弄清问题本质的例子。

从纯技术角度上来讲，练多少音阶取决于这件乐器的技术性能。

管乐练习很多音阶是因为不同调性上他们的气息控制、指法等等等等都涉及很多变化，为了圆滑顺畅的转调，他们必须熟知大多数调性上的各式音阶，并能迅速转换。

在吉他上，没有开放弦的音阶可以任意的挪动到其他调性，指法不变，只是位置动了一下，这种难度比管乐器小多了，技术上不需要那么多的训练。

钢琴也是如此。

谁见过弹钢琴的每天练习若干小时的音阶？至少我没见过。

在我看来，10条重要的音阶基本就能涵盖吉他上大多的可能性。

而音阶上应该做的功课是“怎么来弹一条音阶”，而不是“让咱们弹500条音阶吧”。

怎么处理一个音阶线条，有多少种手法来处理线条（速度上，节奏上，力度上，Articulation上，流畅程度上，色彩上…）？这些是很重要的。

而这些正是吉他教本上最匮乏的内容。

而每日的练习，技巧需要占一定的比重，但不要过多。

精力是有限的，所以要尽量让技巧训练有针对性，并能真正与自己的音乐理念相结合。